La Noche Navegable

Diarios del fin del mundo

2009-11-20T14:31:00.000-08:00

2012. Para unos, será un año catastrófico y cabalístico. Para los integrantes de Recolectivo es sólo un pretexto para lanzar su primer proyecto editorial: Diarios del fin del mundo.

El costo del libro es de 140 pesos e incluye gastos de envío dentro de la República Mexicana. Para envios en el extranjero, visite esta página.

NOTA: Si les interesa comprar el libro editado por Recolectivo en el que aparece mi cuento "Fanático del jazz", pero no tienen tarjeta de crédito, cuenta de paypal o la tecnología les saca ronchas, mándenme un correo personal para indicarles otras formas de pago.

Mil gracias a quienes ya lo compraron.

Diarios del fin del mundo

2009-11-17T09:36:00.000-08:00

Luis	Beto	Julio CÈsar	Chilangelina	Maga
Guffo	Pedro	HÈctor	Borregata	Kabeza
AgustÌn	Miriam	Manuel	Semidios	Salaverga
CanÌbal	CÈsar	Rox	Falso Profeta	Daniel

Entrevista con Mew

2009-10-21T08:07:00.000-07:00

MEW Conquista nuevos territorios

"Entrevista con Mew”

Por: Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Octubre 2009
de la revista Círculo Mix Up

México es famoso en el mundo por sus eufóricos fans y su participativa presencia en las redes sociales. En más de una ocasión, ese entusiasmo mediático ha contribuido a que grupos como Mew se difundan en nuestro país y sus shows se lleven a cabo con un gran éxito. Unas horas antes de la esperada presentación de Mew en el DF pudimos platicar de este y otros temas con Jonas Bjerre, vocalista de esta ecléctica banda danesa.

¿Cómo los trata Mew-xico?

Hasta ahora muy bien, estamos muy contentos de tocar para la gente que aguardó pacientemente para que vinieramos. Aunque es nuestra primera vez en México, teníamos conocimiento de nuestros seguidores por la gran respuesta on-line que hemos tenido y por los adorables fans mexicanos que hemos conocido en los shows por Estados Unidos y Europa. Realmente ansiábamos tocar aquí.

Entonces, ¿Por qué tardaron tanto en venir?

Teníamos planeado venir hace unos años, durante la promoción del disco “And The Glass Handed Kites.” Quisimos aprovechar el tour por Estados Unidos para tocar aquí, pero en algún momento algo salió mal con los contratos. Me parece que el lugar en el que tocaríamos nos programó junto con otra banda en la misma fecha y no pudimos venir. Fue una gran decepción, pero lo importante es que finalmente estamos aquí.

¿Conocen algo del rock Mexicano?

Conozco muy poca música mexicana. Un amigo me presentó algunos bandas mexicanas de Punk que escuchamos en su carro cuando paseabamos por Los Angeles, no recuerdo bien los nombres porque no hablo español, pero me parecieron geniales, me recordaron mucho a los Pixies, una de mis bandas favoritas.

Háblame un poco más de eso, ¿Con que música te formaste musicalmente?

Cuando era muy joven escuchaba mucho pop, cosas como Prince, Kate Bush y Anne Linnet, una gran cantautora danesa de la época de mis padres. En la adolescencia escuchaba mucho a Pixies y My Bloody Valentine y actualmente me gustan mucho bandas danesas como Oh No Ono y Choir of Young Belivers. Realmente son tipos muy talentosos y creativos pero que por desgracia han tenido muchas dificultades para difundir su trabajo fuera de Dinamarca.

¿Qué piensas de que frecuentemente se les catalogue como una banda de pop progresivo?

Bueno, la prensa comenzó a catalogarnos de esa manera a partir del álbum anterior, pero si escuchas discos como “Frengers” hay muchos cambios de ritmo y canciones complicadas que se alejan de la media del indie rock. Esencialmente, el sonido de la banda refleja nuestra tendencia a explorar hasta donde podemos llevar nuestras canciones, pero no necesariamente tiene que ver con la influencia de algún género en específico.

Hay una parte del kilométrico título: “No more stories are told today, i’m sorry they washed away no more stories the world is grey im tired lets wash away” en donde mencionas que el mundo es gris ¿A qué te refieres?

El título tiene que ver con el miedo de sentirse tan saturado de impresiones que resulte imposible disfrutar la música de nuevo. Hay ocasiones en que me siento tan vacío que miro mi Ipod y no encuentro una sola canción que quiera escuchar y entonces no solo me siento incapaz de escribir, sino que me cuestiono cual es el punto en hacerlo, el mundo parece tan gris y triste que piensas que no vale la pena. Pero entonces, entiendes que lo único que tienes que hacer es salir y buscar un bosque para escuchar el viento sobre los arboles y entrar en contacto con la naturaleza para clarificar tu mente. De eso se trata este disco, me encantaría que la gente lo entendiera a través de la música.

Judas Priest: Lo mismo... pero diferente!

2009-09-23T08:04:00.000-07:00

Judas Priest
"A touch of Evil: Live!”
Epic, 2009

Por: Pedro Escobar

Reseña publicada en el número de Septiembre 2009
de la revista Círculo Mix Up

La quinta placa en directo de Judas Priest es una muestra de como Rob Halford y compañía han logrado mantener vivo su espíritu metalero por más de tres décadas. El repertorio de este directo, ofrece temas que nunca antes habían sido editados en vivo y que recorren la trayectoria de la banda: desde “Prophecy” y “Death’ del “Nostradamus” (2008) hasta bombazos setenteros como “Painkiller”, “Judas rising” y “Eat me alive”.

Aunque el temple de las guitarras de Keneth Downing y Glenn Raymond siguen impecables, por momentos la voz de Halford revela sus 57 años de edad y sus dificultades para alcanzar notas complicadas, por lo que el álbum, además de ser un documento histórico, confirma la categoría de Priest como leyenda viviente del Heavy Metal. ¡Larga vida al padre Judas!

Entrevista con Lynn Collins

2009-08-25T16:03:00.000-07:00

El punto débil de Wolverine
"Entrevista con Lynn Collins”

Por: Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Agosto 2009
de la revista Círculo Mix Up

Desde su debut en “El Mercader de Venecia”, Lynn Collins demostró ser una interprete con los encantos necesarios para seducir a los más delirantes personajes Shakespeareanos.

Ahora, en su papel de Kayla Silverfox, esta belleza texana de 30 años demuestra que también es capaz de provocar los tormentos emocionales del más fiero y aguerrido de los X-Men.

Círculo Mix Up platicó en exclusiva con la protagonista de “Wolverine Origins” acerca del reto de encarnar a un personaje de comic y de la relación de éste con los personajes de William Shakespeare.

¿Eras fan de X-Men antes de unirte a la película?

Me encantaron las películas de X-Men y lo que hicieron con ellas. Son excelentes películas.

¿Cuando viste a un conjunto de gente corriendo por todos lados con garras y poder extraños, te dieron ganas de unirte a ellos?

Yo me burlé de ellos todo el tiempo! Bromeábamos y alguien preguntaba “¿Y cuál sería el poder oculto de Lynn?” y Hugh decía “dos copas de martinis!”, lo cual no tiene sentido pues no tomo.

¿Existen otras franquicias de cómics a las que te gustaría unirte?

No lo sé. ¿Alguna sugerencia? ¿No existe una Miss Marvel? Seguro debe de ser una boba ¿verdad?

¿Te ves haciendo mas roles Shakespeareanos?

Puede ser. Me encantaría hacer Lady Macbeth. ¡Una moderna Lady M! Como sabes, yo he hecho varios papeles en adaptaciones de Shakespeare y siempre me gustó.

Se requiere un estilo específico de actuación para hacer algo de Shakespeare. ¿Usaste algo de esas obras en el papel que hiciste en esta película?

Es chistoso porque Liev (Liev Schreiber), que también ha hecho Shakespeare, y yo hablamos mucho acerca de lo intenso y distinto de las actuaciones. Es un poco más activo sin dejar a un lado el sentimiento.

¿ Crees que tu personaje en Wolverine es Shakespereano?

¡Creo que muchos lo son! Creo que el mundo de los superhéroes es nuestra manera actual de contar historias.

¿Te interesaría hacer más obras de Shakespeare adaptadas a lugares modernos?

Me gustaría hacer "Measure for Measure". Tiene un tema bastante relevante para la actualidad, ya sabes, lujuria, envidia. Me encantaría ser parte de ella. Isabelle es un gran papel.

¿Eres muy autocrítica a la hora de ver tu propio trabajo?

Verás, es la primera película en la que he sabido separarme un poco y verla desde varias perspectivas. Siempre me dejo llevar por una actuación pero esta vez si pude verme en muchos ángulos y me gustó. De verdad lo disfruté.

Entrevista con White Lies

2009-08-18T15:04:00.000-07:00

Grandes esperanzas del pop británico
"Entrevista con White Lies”

Por: Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Agosto 2009
de la revista Círculo Mix Up

Aunque es conocida la promiscuidad con que la prensa británica otorga calificativos a bandas que van despegando, existen buenos motivos para pensar que White Lies dará mucho que hablar el resto del año. Con tan solo un disco bajo el brazo, este trío inglés ya ha demostrado su potencial en festivales tan importantes como Glastonbury y Leeds, por lo que planean un inminente tour americana que podría traerlos a nuestro país. De este y otros temas platicamos en exclusiva con el bajista de la banda, Charles Cave.

La prensa inglesa ha dicho muchas cosas buenas acerca de ustedes ¿Qué se siente ser nombrados una de las bandas más prometedoras de Inglaterra?

Siempre habrá gente que ame tu música y gente que la odie, me parece que es mejor provocar una reacción en la gente a que no pase nada. Creo que ese tipo de reacciones te hace creer que lo que se dice es verdad ¿me entiendes? no quiero decir que hayamos perdido piso con los halagos, sino que de algún modo, lo que dice la prensa tienen que ver con la forma en que se están dando las cosas dentro de la banda.

Ustedes son bastante jóvenes, ¿Cómo sobrellevan el hecho de pasar de ser una banda de estudiantes a ser el grupo abridor de Coldplay en su gira Europea?

Es que realmente nunca pensamos ser solo una banda de estudiantes. Aún cuando estudiamos en la misma escuela, desde el principio tomamos la música muy en serio y practicamos realmente duro. La mayoría de los grupos que admiramos jamás fueron acusados de ser una “banda con suerte” por eso entendimos que solo trabajando mucho llegaríamos al lugar donde ahora estamos. Si somos jóvenes, en este momento tenemos 21 años en promedio, pero supongo que eso es algo bueno, pues nos permite tocar muy seguido dando shows con toda la energía y diversión que nos es posible.

¿Qué le responden a los críticos que comparan su música con bandas como Joy Division, Interpol y The Killers?

Ya no respondemos nada, es un poco agotador responder a ese tipo de impresiones personales cientos de veces. En Internet se ha escrito mucho acerca de si nos parecemos con todos esos grupos, y aunque muchos de ellos nos gustan y los respetamos como músicos, realmente no son una fuente de inspiración para nosotros.

¿Tienen una idea de que tan bien se conoce a las bandas británicas en latinoamerica?

Sabemos que hay cierto interés por nosotros y por la música británica en general por la cantidad de mensajes que recibimos en internet desde lugares como México o Japón. Es realmente genial enterarse del seguimiento que hace la gente desde lugares tan remotos, pero supongo que nos daremos una idea de que tan conocidos somos cuando toquemos por allá.

¿Tienen agendado alguna fecha para tocar en México? ¿Cuales son sus planes para el resto del año?

De momento no tenemos nada planeado, pero supongo que podría darse en los próximos meses, cuando acompañemos a los Kings of Leon en algunos de sus conciertos por Norteamerica, después de eso tenemos agendadas algunas fechas con Coldplay en la parte final de su tour por el Reino Unido. El resto del año tocaremos en varios festivales alrededor de Europa.

¿Algún mensaje para sus fans en México?

Queremos decirles que apreciamos mucho su apoyo, leemos todos sus mensajes en internet y definitivamente no podemos esperar por tocar para ustedes, así que con un poco de suerte pronto nos verán por allá.

Entrevista con Avenged Sevenfold

2009-07-21T07:53:00.000-07:00

Apocalípticos y desintegrados
"Entrevista con Avenged Sevenfold”

Por: Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Julio 2009
de la revista Círculo Mix Up

“Avenged Sevenfold revolucionó el género del Nu metal al fusionar los trepidantes ritmos del Metal Core con el Heavy Metal clásico en su tercer disco “City of evil” (2005).

A partir de entonces, la propuesta de esta banda californiana ha sido alabada por figuras de la talla de Slash, Nikki Sixx y los integrantes de Metallica, a quienes acompañan en su gira mundial. A su paso por la Ciudad de México, pudimos platicar con el baterista de Avenged Sevenfold Jimmy Sullivan.

Tienen una enorme base de fans en la ciudad de México ¿Sabían que eran tan populares en nuestro país?

Lo supimos el año pasado, cuando tocamos por primera vez en México y los fans fueron recibirnos al aeropuerto. Fue una gran sorpresa tener una respuesta tan entusiasta en México, no hay nada mejor que tocar para un público así.

¿Qué se siente tocar con una banda como Metallica?

¿Qué te puedo decir? Es como un sueño hecho realidad, realmente es como tocar con tus héroes de la infancia. Bandas como Pantera o Metallica siempre fueron referentes en nuestra música y tocar junto a ellos tres shows totalmente vendidos es realmente genial.

Hace algunos años, cuando firmaron con Warner, varios de sus fans los criticaron diciendo que se habían vendido ¿Cómo responden a esas críticas?

Respetamos lo que pueda decir la gente, pero no hacemos música para complacer a nadie. Desde que nos iniciamos en la música decidimos ser fieles a una sola regla: ser nosotros mismos y no complacer a nadie mas que a nosotros mismos.

¿Cuáles son los Pros y los Contras de estar en una Major como Warner?

Realmente no hay contras, tenemos un control creativo total sobre todo lo que hacemos, así que jamás hemos tenido que discutir o dar explicaciones a la disquera sobre el concepto de nuestros albums. Al contrario, nos sentimos bastante apoyados por cada una de las divisiones de Warner, especialmente por la de México, quienes nos han traído a tocar acá.

“Almost Easy” de Avenged Sevenfold aparece en el soundtrack de la película Transformers 2. ¿También tienen control creativo sobre las canciones que se incluyen en estas compilaciones?

Totalmente, nosotros decidimos todo. De hecho tuvimos mucho que ver en que la canción se incluyera en el soundtrack. Aparecen excelentes bandas en la película, y por eso, cuando nuestra canción quedó incluida en la selección final nos sentimos muy emocionados.

¿Notan alguna diferencia entre el público europeo y el público latino?

Los fans latinoamericanos son mucho mas entusiastas que los europeos. Aún cuando en Europa hay una gran cantidad de seguidores del Metal, el público latino se involucra mucho mas con los conciertos en vivo.

En la Ciudad de México hemos padecido sucesos como epidemias y terremotos que parecen sacados de sus discos “Sounding the Seventh Trumpeth” o “City of Evil” ¿Crees que estos hechos les de inspiración para su nuevo material?

(Risas) ¡Sí, probablemente! Realmente es una posibilidad porque tenemos planeado juntarnos para escribir las canciones del nuevo disco después de esta serie de conciertos, de modo que... sí, podría ser!

¿Ya hay fecha para el lanzamiento del nuevo disco de Avenged Sevenfold?

Tenemos planeado entrar al estudio dentro de unos tres o cuatro meses. De modo que el disco estará listo en los primeros meses del año entrante.

N.A.S.A. "Un pequeño paso para el DJ. Un gran salto para el mestizaje musical"/

2009-06-17T16:17:00.000-07:00

N.A.S.A.
"Un pequeño paso para el DJ.
Un gran salto para el mestizaje musical”.

Por: Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Mayo 2009
de la revista Círculo Mix Up

(Para Katia Kassabian y Ross.
Por leer este artículo, y hacer que valiera la pena escribirlo).

El hip hop se ha convertido en el fenómeno musical más grande de los últimos 30 años gracias a una sencilla fórmula: sacrificar la melodía en función de ritmos bailables y dar carácter protagonico a la palabra, elementos indispensablede de la fiesta.

a dupla integrada por el norteamericano Squeak E. Clean (Sam Spiegel) y el brasileño DJ Zegon (Zé Gonzales) dan forma al proyecto N.A.S.A. (acrónimo de North America - South America) Se trata de un combo electrónico de Hip Hop que por su calidad y número de artistas invitados podría describirse como una versión V.I.P. de Thievery Corporation.

La música de este dóo acude a las raíces del hip hop: bases rítmicas de breakbeat, sampleos multirítmicos y una multitud de vocalistas invitados abordando temáticas sexuales, filosofía de banqueta y duelos verbales íntimamente ligados al baile y a la celebración. A diferencia del rock, el hip hop no ha manoseado su esencia buscando una forzada reinvención con resultados inciertos, es por eso que ha resistido de mejor forma el paso de los años y se fusiona tan bien con una gran cantidad de ritmos que se incorporan según las reglas y medidas propias del género.

Aunque la formación de Dj Zegon y Squeak E. Clean se remite a estudios de grabación como productores de discos y campañas publicitarias (aprovechando las influencias del hermano de Squeak, el talentoso director de videos Spike Jonze) el dúo ha cosechado a lo largo de los años una buena cantidad de contactos y un poderoso poder de convencimiento para conjuntar en su disco debut a una impresionante lista de artistas invitados entre los que destacan Kanye West, Santogold, Karen O de los Yeah Yeah Yeahs, Sean Lennon, John Frusciante de Red Hot Chili Peppers, Ol’ Dirty Bastard, Nina Persson de The Cardigans, George Clinton, David Byrne, Cee-Lo de Gnarls Barkley, Seu Jorge, M.I.A., RZA, Method Man, Ghostface Killah, Spankrock y Tom Waits.

Con tal cantidad de talento en sus manos sería fácil pensar en resultados saturados y sobre explotados pero afortunadamente el disco demuestra tener forma y dirección. N.A.S.A. conduce a cada uno de sus invitados en un dinámico recorrido multirítmico que va del Reggae a la Samba y de ahí al Rock clásico sobre bases rítmicas Hip Hoperas que Zegon y Squeak conducen con maestría.

La genialidad de estos orquestradores rítmicos para otorgar un momento estelar a cada uno de las estrellas invitadas habla bien de su talento para amalgamar diferentes estilos dentro de un gran reventón electrónico que demuestra como la música y la danza pueden unir varios mundos dentro de una gran celebración universal. El veredicto final de la ópera prima de N.A.SA. podría definirse como: “Un pequeño paso para el DJ, un gran paso para el mestizaje musical”.

NA.S.A.
“The Spirit Of Apollo”
Anti Records
2009

Como si se tratara de una exclusiva fiesta hip hopera, en “The Spirit Of Apollo” los vocalistas invitados se turnan el microfono para cantar sobre los ritmos que conducen magistralmente Dj Zegon y Dj Squeak E. Clean. Logicamente, algunos de los invitados briilan mas que otros y en esta ocasión es David Byrne quien se convierte en el alma de la fiesta, dándole un toque delirante a temas bailables como “The People Tree” y la deliciosa y reflexiva “Money”, tema en el que comparte créditos con el legendario Chuck D.

Muy de cerca le siguen Karen O. de The Yeah Yeah Yeahs en la cadenciosa “Strange Enough” y M.I.A. (en dupla con Spankrock) en la divertida “Whatchadoing”, tema de corte lúdico y totalmente fiestero que contrasta con la arguadientosa voz de Tom Waits atacando las notas bajas en “Spacious Thoughts” y el funk de la vieja escuela del legendario George Clinton en “Theirs a party”. Al final, todas las celebridades invitadas se unen en “N.A.S.A. Anthem” tema con track oculto que garantiza un fabuloso “encore” de pronósticos reservados y que cierra lo que seguramente se convertirá en uno de los mejores discos del año.

Entrevista con Volován

2009-06-01T08:45:00.000-07:00

La ropa sucia se lava en casa
"Entrevista con Volován”

Por: Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Mayo 2009
de la revista Círculo Mix Up

“Hogar” es el título del nuevo disco de Volován, se trata de un ambicioso material en el que la madurez, el auto análisis y la evolución musical son evidentes. A propósito de este tema, Círculo Mix Up platicó con Chalo Galván, vocalista de este destacado grupo de rock pop regio.

Han pasado más de dos años desde su último disco ¿Qué novedades nos traen?

La mayor novedad es este disco, en el que hemos trabajado por casi dos años y que surgió de una manera muy diferente a los anteriores, por primera vez cada quien escribió sus canciones por separado y solo al final de ese proceso fue que nos reunimos para grabar, en el estudio de Robi Draco Rosa en Los Angeles y bajo la supervisión de nuestro productor Sebastian Krys.

También traemos novedades en cuanto a la forma en que se producirán los videos de este álbum. Tenemos pensado que el primero de ellos “Perdón” forme una trilogía con los otros dos sencillos que se desprenderán del disco, algo que hasta ahora, nadie ha hecho en México.

Llevan cerca de diez años de carrera, y eso se nota en la temática de sus canciones ¿se sienten un grupo más maduro?

Si, definitivamente. A lo largo de estos años nos han pasado muchas cosas, pero hemos aprendido de nuestros errores y eso se refleja en las letras. Por eso este disco se llama así, porque creemos que dentro de un hogar hay una gran cantidad de sensaciones y estados de ánimo que no necesariamente tienen que ver con el amor y la fiesta. Este disco habla de eso, del Hogar que hay en cada uno de nosotros.

¿Es un disco con sentimientos encontrados?

Si, en ese sentido este es un disco muy humano, hay una dualidad entre felicidad y añoranza, entre amor y odio. Por citar un ejemplo, hay canciones como “Perdón” que hablan de batallar con los demonios internos y estar nostálgico, pero también hay otras como “Anthrax” que hablan netamente del despecho y del rencor en forma absoluta.

Algunos consideran que Volován es un grupo fresa porque sus canciones encajan muy bien en la radio comercial ¿Se consideran un grupo pop?

Yo creo que somos una banda de rock pop mexicano, la base es esa porque venimos de la escena independiente, venimos de tocar en lugares pequeños y de grabar en un sello indie. Lo divertido es que no hemos cambiado, siempre hemos hecho este tipo de canciones que le llegan a cualquier persona. La verdad es que el asunto ni nos preocupa, al contrario, nos divierte el hecho de que Volován le guste a todo mundo.

A lo largo diez años de carrera han presenciado el auge y caida de una gran cantidad de géneros y tendencias en el rock nacional. Por citar un ejemplo, cantar en inglés ¿Qué opinan de la gran cantidad de grupos que cantan en este idioma alegando que tiene mejor métrica para las canciones?

Al paso de los años hemos trascendido al punk, al ska y ahora al emo con un estilo honesto y auténtico. Con respecto a lo del inglés debo decir que no me gusta, creo que en la música se vale de todo, pero a mi en lo personal no me late. Creo que si yo hablo español y soy mexicano esperaría que Volován fuera reconocido como un referente de la música que se hace aqui, no como un grupo mexicano que se parece a dos o tres grupos gringos, que son los que están de moda.

Siempre me ha intrigado saber esto: ¿Cómo surgió el nombre de Volován?

¡Surgió por casualidad! ibamos en el coche a entregar el demo con nuestras canciones a la disquera cuando nos dimos cuenta que no teníamos nombre. Estuvimos un largo rato discutiendo muchísimos nombres, -algunos muy malos por cierto- hasta que alguien dijo: “se me antoja una crepa”. mi hermano Gerardo preguntó ¿qué es eso? y yo respondí “es como un pan, un Volován” entonces todos coincidimos en que esa palabra sonaba bien y decidimos ponerle así al demo. Después nos dimos cuenta que la palabra realmente tenía un significado especial para nosotros. Resulta que el panecito se llama así porque la pasta de hojaldre con la que está hecho se la lleva el viento. De hecho, el nombre viene de la palabra francesa “Vol-Au Vent” que significa vuelo al viento, algo similar a la carrera que en aquellos tiempos iniciamos.

Volován
“Hogar”
Universal,
2009

Volován parece haber aplicado la consigna de que “la ropa sucia se lava en casa” a la hora de concebir su nuevo disco. Nostalgía, amor, odio y días soleados son las temáticas que se ventilan en un disco con sentimientos encontrados y en el que lo mismo hay temas para cantar al oido (“Perdón”, “No te vayas de mi”) que tormentos existenciales (“Nunca”, “Morir por ti”) y canciones animadas que es preciso escuchar a todo volúmen (“Verano Sol”, “Anthrax”).

El alivianado estilo que patentó Volován en temas como “Ella es azul” sirve en este disco como el contrapeso ideal para digerir un álbum ciertamente introspectivo, pero que se mueve entre el pop y el rock de una manera elegante y natural. He aqui un grupo que ha evolucionado, pero sin renunciar a la magia que nos cautivó en un principio.

The Decemberists, En la corte de la Reina del Bosque

2009-05-18T08:37:00.000-07:00

The Decemberists
"En la corte de la Reina del Bosque”

Por: Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Abril 2009
de la revista Círculo Mix Up

Al igual que ocurre con los libros, hay discos que eligen a sus escuchas. “The Hazards of Love” es uno de esos discos diferentes que solo se entienden al escucharse de forma lineal pues se disfrutan en función del tiempo y disposición que se invierta para absorber su contenido.

Cuenta la historia que una tarde, mientras el maestro Jorge Luis Borges paseaba por la calle un joven se acercó a saludarlo. Después de unos momentos el muchacho se atrevió a comentar: “Maestro, lo admiro mucho pero debo confesarle que no entendí una palabra de su más reciente libro”. El autor de “El Aleph”, lo miró de reojo y sin inmutarse le respondió: “No es culpa suya, es solo que el libro no lo escribí para usted”.

La anécdota viene a cuento porque algo similar pasa con la música de The Decemberists, sus canciones llenas de referencias literarias distan mucho de ser temas accesibles para un público masivo. Desde sus inicios, el estilo de este conjunto se ha caracterizado por crear obras épicas desarrolladas en escenarios atípicos, como la guerra civil estadounidense en “Picaresque”(2005) o el folklore japonés en “The Crane Wife” (2006).

No es casual el carácter narrativo en las canciones de Colin Meloy, líder y compositor de la banda, pues el hombre posee un título en escritura creativa por la Universidad de Montana que le ha servido para crear discos perfectamente estructurados en preludios, arcos dramáticos y desenlaces contundentes. En su más reciente entrega, “The Hazards of Love” este proceso ha sido perfeccionado hasta alcanzar la categoría de ópera rock, se trata de una obra que abandona la elegancia del folk rock a la que nos tenían acostumbrados en función de un rock progresivo más versátil y capaz de ilustrar conceptos como el amor, los celos, el terror e incluso el infanticidio, todos ellos temas recurrentes en una obra conceptual dividida en 17 canciones ligadas y escenificadas en 4 actos titulados “The Hazards of Love”.

La trama cuenta el romance lleno de obstáculos de Margaret y William, un extraño habitante del bosque que es capaz de cambiar de forma y cuya madre, la reina del bosque se opone a su relación. El drama se complica cuando aparece un extraño personaje llamado The Rake, que en complicidad con la reina, secuestra a Margaret y la desposa engendrando tres hijos a los que después asesina sin miramientos. Mientras, William permanece encarcelado por su madre hasta que después de múltiples dificultades, logra negociar su liberación por una noche con la condición de regresar antes del amanecer bajo pena de muerte. Nuestro héroe corre al rescate de su amada, pero ya es demásiado tarde, pues Margaret yace moribunda en un bote que navega rumbo al exilio hundiéndose lentamente y en el que ambos terminan ahogandose para perpetuar su amor.

Aunque la trágica muerte de Margaret le da sentido al nombre del disco, el desenlace le brinda un leve consuelo, pues antes de expirar se reencuentra con William, al tiempo que los fantasmas de los niños muertos regresan para vengarse del nefasto The Rake para poner punto final a una historia sin final feliz.

El genio narrativo de Meloy se ve enriquecido en esta entrega con una gran cantidad de artistas invitados entre los que destacan Shara Worden de My Brightest Diamond, (interpretando a la reina) Becky Stark de Lavender Diamond, (prestando su voz a Margaret) además del genial Jim James de My Morning Jacke y Rebecca Gates de The Spinanes.

Es oportuno decir que “The Hazards of Love” requiere de tiempo y atención para ser asimilado, pero bien vale la pena el esfuerzo, pues la calidad musical y narrativa de esta placa no tiene desperdicio.

The Decemberists
“The Hazards of Love"
Capitol 2009

La historia del disco surgió a raíz de la fascinación de Colin Meloy por un oscuro EP de folk británico editado por Ann Briggs en 1966. Con ese precedente, resulta lógica la influencia setentera que aflora de este disco y que recuerda a King Crimson o al Genesis post Peter Gabriel. Basta escuchar temas como “The Queen’s rebuke” para distinguir sintetizadores análogos, metales y clavicordios propios del rock progresivo que van subiendo de tono hasta alcanzar las notas conducidas por la impecable voz de Shara Worden, quien también muestra su potencial en la enérgica “The wanting comes in waves / repaid”.

“The Rake’s Song” -corte promocional del disco- es lo más parecido a un sencillo que puede encontrarse en una entrega que demanda ser escuchada de forma lineal, pues los escabrosos temas que hablan de muerte e infanticidio quedan fuera de contexto al escucharse por separado. Por fortuna también hay temas alegres como “Isn’t a lovely night” en los que la dulce voz de Becky Stark brilla cantando a dueto con Colin Meloy sobre una melodía conducida por las notas del acordeón y el banjo.

“The Hazards of Love” representa el paso más arriesgado de una banda decidida a salir de su zona de confort en cada disco y a mantenerse alejada del lugar común del éxito efímero. He aquí una obra atemporal que se mantendrá en el gusto del público por 9

Devotchka: Gitanos Punk

2009-02-17T16:03:00.000-08:00

Devotchka
"Gitanos Punk”

Por: Pedro Escobar

Reseña publicado en el número 19 (Febrero- Abril) 2009
de la revista Replicante

DeVotchka es una banda vanguardista que se mueve con soltura a través de varios géneros sin llegar a perderse. Su música -etiquetada como “Gypsy Punk”- suena a un tango revolucionado por violines balcánicos, a una polka rusa conducida por un acordeón gitano, a un son de mariachi conducido por tubas y cantado en inglés.
A pesar de lo ecléctico de su propuesta, sus canciones distan mucho de ser arrebatos sonoros gracias a la elegante conducción rítmica del violin, el piano o el acordeón.

La banda formada en Denver en 1991 está integrada por 4 músicos multi-instrumentistas lidereados por el vocalista y compositor Nick Urata, quien decidió tomar la palabra rusa Devotchka (chica joven) para denominar a un proyecto inicialmente concebido para musicalizar shows de burlesque. Aunque cuentan ya con 6 discos de estudio, fue hasta 2006 que saltaron a la fama tras musicalizar parte del soundtrack de la cinta “Little Miss Sunshine”.

“A mad & faithfull telling”, su más reciente producción, fue lanzada en 2008. En ella destacan canciones con temáticas que giran alrededor de analogías amorosas, (“Blesing in disguise”, “Transliterator”) y épicas de carácter político (“Basso profundo”, “Comrade Z”) en los que sobresalen los finos acompañamientos de cuerdas que contrastan con la enérgica voz vibrato de Urata.

La música de Devotchka es una clara muestra de que más allá del supuesto agotamiento musical que muchos pregonan, aún existen territorios musicales sin explorar desde los que es posible releer la música a través de una perspectiva intercultural.

DeVotchka
“A mad & faithfull telling”
Anti-Records
2008

10 grupos que NO deberían regresar

2009-02-11T09:14:00.000-08:00

10 grupos que NO deberían regresar

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Febrero 2009
de la revista Círculo Mix Up

Las giras del reeecuentro son una moda que han aprovechado muchos artistas venidos a menos que se resisten a poner un punto final en sus agónicas carreras.
Aunque los implicados argumentan que su retorno se debe a que “el público se los pide desde hace tiempo” o a que “tienen una deuda pendiente con sus fans” la verdad es que muchos de ellos no tienen el menor interés por ofrecer algo nuevo a sus seguidores y solo regresan por el dinero y la posibilidad de acceder a una última dosis de esa droga dura llamada fama.

Aqui te presentamos 10 grupos que por salud mental o verguenza profesional no deberían reunirse nunca... ¡jamás!

1) Limp Bizkit

1999 fue un año caótico en el que todos nos dejamos llevar por idolos de apariencia extraña. como Marylin Manson, Ramstein y Korn. En un tiempo dominado por “freaks’ una agrupación especializada en llevar al extremo el mal gusto obtuvo un sonado éxito, que visto a la distancia, nos hace darnos cuenta lo mal que andabamos.

Limp Bizkit nos demostró que encajando mas de veinte groserías por minuto en una canción y tener a un fanfarrón de la calaña de Fred Durst al frente se podía tener el rechazo tanto de metaleros como de hip hoperos. Aún no logramos sacar de nuestro cerebro la voz chillona de este blanco con ínfulas de gangster negro y por eso su regreso, anunciado en el myspace del grupo a finales del año pasado nos hace cuestionarnos: ¿De verdad nos merecemos esto?

2) Creed

Una muestra de que los gringos también pueden echar a perder una buena idea es Creed, la versión “enchulada” y caramelizada de Pearl Jam. Sus insulsas letras, su pose de fresitas con actitud rockera y el “eye candy” de Scott Stapp provocó la ira de millones de seguidores del grunge, pues no conforme con robarse el estilo lírico de Eddie Vedder, el musculoso cantante provocó sueños húmedos a sus novias con baladitas como “Arms wide open”.

En 2004, Creed decidió alejarse de los escenarios para disfrutar de la fortuna generada a raíz de las millonarias ventas de su álbum “Human Clay”, uno de los mayores éxitos comerciales de los noventas, que pese a todo, no aseguró el retiro permanente de estos imitadores, puesto que ya comienzan a correr versiones de una posible reunión de Creed durante este mismo año. ¿Será que tenían invertidos sus millones en Lehman Brothers?

3) Poison

Cuando el Heavy Metal de finales de los ochenta era criticado por su falta de seriedad y la excesiva parafernalia de grupos como Bon Jovi, Motley Crue y Def Leppard, Poison irrumpió en la escena para demostrarles a todos estos principiantes lo que era de verdad el mal gusto.

Fórmulas gastadas y power ballads pre-fabricadas fueron la constante en la música de una banda diseñada para funcionar en la radio y cuyas máximas virtudes fueron abrir nuevas técnicas en el uso de fijador de pelo, los pantalones afeminados y un alarmante abuso del rimel que seguramente sentó prescendete para los jovenes emos de hoy en día.

La reciente fama de su vocalista Bret Michaels como conductor del canal de música VH1 ha ocasionado que los miembros originales de Poison se reunan para planear lo que podría ser una gira de pronóstico reservado.

4) Blur

Damon Albarn y Graham Coxon formaron una de las mancuernas creativas más exitosas en la historia del rock británico. Juntos construyeron discos de época como “Parklife” y "The great escape” que batieron records de ventas en inglaterra.

Desgraciadamente la rivalidad creativa y el choque de egos fue minando la relación hasta terminar con la disolución del grupo, basta remitirse a sus dos últimos discos para darse cuenta lo mal que pueden sonar Coxon y Albarn enfrentados. Al parecer solo el dinero pudo reconciliar a estos dos genios creativos para juntarse y grabar un disco que ni remotamente aspira a conseguir las glorias de sus primeras producciones, pero eso si, garantiza una gira mundial que tampoco está excenta de que a media reunión cualquiera de los dos decida abandonar la nave una vez más.

5) Jackson 5

Mucho se ha hablado de una posible reunión de los hermanos Jackson en la que no necesariamente podrían figurar los dos miembros más exitosas de esta dinastía. Por más que hayan sido una de las agrupaciones más exitosas en la historia de la música afroamericana, ver reunidos a los Jakson 5 sin Michael tendría el mismo chiste que ver a un tigre de Bengala chimuelo.

6) Rage Against The Machine

En los noventa RATM fueron un grupo que abanderó muchas causas sociales gracias a sus letras llenas críticas contra el gobierno norteamericano y a un sonido transgresor que incorporó las guitarras distorsionadas a recursos líricos propios del hip-hop.

Por desgracia, tras su disolución en 1998, su comportamiento se alejó mucho de las posturas que los hicieron famosos: Zach de La Rocha intentó montarse al hype provocado por la irrupción de Dj Shadow, mientras que Tom Morello y compañía buscaron un sustituto light para De La Rocha reclutando al veteranazo Chris Cornell.

Tras la disolución de Audioslave y el semi retiro de Zach, RATM se reunió en el festival de Coachella en 2007 para llamar la atención con un discurso incendiario en el que condenó a George W. Bush calificandolo de “criminal de guerra”. Aunque su regreso para este 2009 es latente, la credibilidad del grupo quedó por los suelos al ser captados, un día después de su anrquico show, abordando una pomposa limousine estacionada a las afueras del lujoso hotel Hilton de Los Angeles, California.

7) Blink 182

A finales del año pasado, el baterista Travis Barker se vió involucrado en un fuerte accidente que casi le cuesta la vida, y que seguramente le dejó muchas cuentas médicas que liquidar.

No es un secreto que desde hace años los Blink coquetean con la idea de un revival que los ponga nuevamente en los primeros planos de la escena musical. Aunque sus letras llenas de ironía y humor facilón funcionaron bastante en los noventas, estos son otros tiempos y en medio de la crisis mundial y los tiempos de incertidumbre que hoy se vive, las canciones vulgares de Blink 182 parecen estar fuera de lugar. La broma del happy Punk dejó de ser chistosa desde hace mucho tiempo.

8) Garibaldi

El año que entra el país entero se volcará a un nacionalismo sin precedentes al cumplirse el bicentenario de la independencia de México. Como siempre pasa en estos casos, los oportunistas ya comienzan a relamirse los bigotes, entre ellos el engendro coreográfico vocal llamado Garibaldi: una especie de Village People, solo que peor y en versión Mariachi.

Eso hasta que la broma llegó muy lejos y que 1996, dejando a sus integrantesregados por los rincones de Televisa como conductores de programas para señoras, cantantes de feria de pueblo o como artistas de telenovelas en papelillos secundarios. Aunque su regreso sería un descarado acto de oportunismo, este grupo de cuarentones aún tiene el cinismo de declarar que planean reunión pues: “sería un buen momento inmejorable para retomar el concepto del grupo”.
Sí, cómo no.

9) Magneto

A principio de los noventa, Alan, Charlie, Mauri, Alex y Elías fueron concebidos por su representante Toño Berumén como la copia mexicana de los New Kids On The Block.

Su éxito, basado en covers norteamericanos de medio pelo dió origen a una larga carrera que los llevó a triunfar en México y sudámerica, grabar su propia película “Cambiando el destino” y darnos una razón más para avengorzarnos de la música pop hecha en México.

Aunque en 2001 hicieron el oso tratando de regresar bajo el nombre de Xmagneto tras su pleito con Tony, hoy que los New Kids están de vuelta, los ojitos de estos señores luce un raro fulgor: la ilusión de regresar. Brincos dieran.

10) Mecano

El trio se ha reunido tantas veces que ya no se sabe si estan retirados o están de vacaciones. En repetidas ocasiones Nacho Cano, el hombre que mueve los hilos del grupo ha demostrado que el concepto de Mecano es más rentable como franquicia que como una verdadera propuesta musical.

Abanderados de la generación berrinchuda

2009-02-11T08:53:00.000-08:00

Glasvegas
"Glasvegas"

Por: Pedro Escobar

Reseña publicado en el número de Febrero 2009
de la revista Círculo Mix Up

A menudo, el entorno en el que se crean las canciones suele influir en la temática de las mismas. Glasgow, por ejemplo, padece un deprimente clima nublado con nueve meses de lluvia al año, que justifica porque el hartazgo, la frustración y los excesos –atmósferas excelentemente descritas en las novelas del escritor escocés Irvine Welsh- afloren en cada una de las canciones de Glasvegas.

Temas que giran alrededor de la desaparición de un padre (“Daddy’s gone”) los excesos del fanatismo futbolero (“Flowers and Football Tops”, “Go square go”) y los tormentos sentimentales (“Geraldine”, It’s My Own Cheating Heart That Makes Me Cry”) son la constante en su disco debut, grabado y producido en la unión americana por los experimentados James Allan y Rich Cotley (Franz Ferdinand, Muse, Interpol).

Aunque sus letras no temen reflejar la sórdida realidad y la indolencia que caracteriza a los jovenes de la clase trabajadora, su sonido no pasa de ser una versión light del shoegaze de The Jesus And Mary Chain mezclado con recurrentes estribillos que tratan de imitar –ingenuamente- las vocalizaciones de Joey Ramone.

El nombre de Glasvegas surgió al unificar el nombre de su ciudad natal de corte obrero- industrial con el de la ciudad de La Vegas, tan acostumbrada a la fiesta y el derroche. Nada más acertado para ilustrar las ambiciones de una generación acostumbrada a quejarse amargamente, pero que no renuncia a su derecho a reclamar sus diez minutos de fama sin proponer mucho a cambio. ¿Será que nos estamos acostumbrando a escuchar a los que gritan, sin prestar atención a los que de verdad tienen algo que decir?

Glasvegas
"Glasvegas"
Sony 2008

Labels: reseñas

El Guincho: Alegranza en tiempos de Crisis

2009-01-13T09:29:00.000-08:00

El Guincho

"Alegranza musical para tiempos de crisis”

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Diciembre 2008
de la revista Círculo Mix Up

En esta época de crisis mundial, ni siquiera la música se salva de las mezquinas leyes de la oferta y la demanda que rigen nuestras vidas.

La sobreoferta musical generada por la auto impuesta etiqueta Indie ha generado un enorme pajar alimentado con los miles de discos que surgen a diario de las habitaciones de adolescentes adictos a Myspace.

Sin el filtro de calidad que en otra época operaban arbitrariamente las grandes disqueras, la música se ha visto inundada por una infinidad de músicos con carreras tan fugaces como las de los sellos discográficos que los editan.

Por fortuna, aún existen un puñado de sellos independientes con la credibilidad suficiente para difundir artistas que de otra forma, permanecerían en el anonimato Indie. Tal es el caso de El Guincho, la flamante adquisición del prestigiado sello independiente XL, operadores del éxito de M.I.A., Diplo y The White Stripes entre otros.

Pablo Díaz-Reixa, mejor conocido como El Guincho es un músico español de 24 años que parecía destinado a editar sus discos de manera artesanal a través de su sello Discoteca Océano. Eso antes de que “Alegranza” fuera alabado por pitchforkmedia, reseñado por el Washington Post y seguido con atención por la gente de XL.

No es casual que El Guincho haya despertado tanto interés en los medios.
La música de este músico radicado en Barcelona esta compuesta por composiciones festivas, construidas a partir de diversos ritmos bailables hilvanados mediante la conducción de samplers altamente efectivos. En su música, Díaz sintetiza brillantemente las emociones que afloran en una ciudad como Barcelona, en donde la mezcla étnica y los matices culturales generan una atmósfera en donde los sonidos familiares rivalizan con el descubrimiento de nuevos territorios. Antes de adquirir la personificación de El Guincho, Pablo Díaz-Reixa destacaba como baterista, voz y compositor del grupo Coconut, tal vez por eso, en su música predominan las percusiones latinas y las vocalizaciones africanas utilizadas meramente como acentos rítmicos.

Lejos de aceptarse como: “La mayor revolución en el world music desde Manu Chao”, como afirma el diario español El País, El Guincho se limita a señalar que más allá del supuesto agotamiento melódico que todo mundo pregona, aún existen territorios inexplorados en donde releer la música desde una perspectiva personal y acorde al mestizaje cultural que prolifera en el planeta.

La principal virtud de El Guincho es la originalidad. No es casual que el instinto musical de Díaz haya hecho de “Alegranza” un disco multirítmico que, según la interpretación personal, puede ubicarse en los géneros del pop, el calipso, el afro beat y hasta la world music.

Si las reglas económicas indican que lo que da valor a un producto es la cantidad de éste que haya en circulación, entonces el valor de la música de El Guincho muy pronto irá a la alza ya que prácticamente no existen en el mercado artistas que rivalicen con la originalidad musical de este joven músico español.

“Alegranza”
El Guincho
youg turks/ XL
2008

La alegría y la vitalidad son los motores que mueven la maquinaria de “Alegranza” a lo largo de 12 tracks plagados de samplers bien colocados y percusiones que invitan a la fiesta.

“Palmitos Park”, track que inaugura el álbum, es una joyita que pone de manifiesto el potencial de El Guincho para hacer mover los pies de cualquer audiencia. Una explosión de ritmos bailables, coros contagiosos y un metódico uso de samplers y cajas de ritmos abren el disco de manera magistral.

La versatilidad y la amplitud de recursos queda de manifiesto en “Cuando maravilla fui” tema en donde las lineas corales funcionan como acentos rítmicos que ayudan a sostener la estructura melódica de las canciones. En “Antillas”, “Prez Lagarto” y particularmente en “Kalise” este recurso es particularmente notable.

Aunque originalmente “Alegranza” apareció de manera independiente a principios de año, la re-edición que el sello XL ha hecho de la ópera prima de El Guincho permite apreciar en su versión integra y con todos sus dientes una producción que pone de manifiesto que aún es posible encontrar territorios musicales poco explorados. La cosa es buscarle, como dicen por ahí.

Pop para fresear sin cargos de conciencia

2008-11-24T10:21:00.000-08:00

Para fresear sin cargo de conciencia

"Down to Earth" la nueva producción de Jem

Por Pedro Escobar

Reseña publicada en el número de Noviembre 2008
de la revista Círculo Mix Up

Sin ánimos de ser snob, nada cuestiona tanto la credibilidad de una persona como sus preferencias musicales. Y es que difícilmente exista algo mas decepcionante que escuchar un disco de la banda “Pequeños Musical” en un stereo de alta definición.

Si bien el gusto se rompe en géneros, un par de razones para justificar nuestros “placeres culpables” nunca están de más. Por suerte, “Down to Earth”, segundo material de Jem, cuenta con los méritos suficientes para justificar su presencia en cualquier colección musical.

Aunque el timbre de esta galesa guarda similitudes con cantantes como Dido, las escalas que domina no le pide nada a artistas de la talla de Roisin Murphy o Leslie Feist. Escucharla es reconocer su talento como compositora e interprete en una gran variedad de géneros, que van desde los ritmos funk en “Crazy”, pasando por el hip hop de “Keep On Walking”, el pop dance de “Aciiid!” y los rimos latinos de la genial “I Want You To”. No es casual que Jem se mueva con seguridad entre géneros tan distintos, el impecable trabajo de producción que respalda “Down To Earth” estuvo a cargo Jeff Bass y del especialista en ritmos latinos Lester Mendez, productores de Eminem y Santana respectivamente.

Aún cuando el nombre de Jem es relativamente nuevo en la escena musical, sus temas gozan de un gran éxito comercial gracias a lo amigable su sonido y a que han aparecido en series tan populares como “Sex & The City” y “Desperate Housewifes”. Con tan buenos pretextos, resulta un verdadero desperdicio no despojarse de los prejuicios y disfrutar de este disco, hecho para fresear sin cargos de conciencia.

Jem
“Down to Earth”
ATO Records
2008

10 discos de muertitos musicales

2008-11-13T14:44:00.001-08:00

10 discos de muertitos de la musica

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Noviembre 2008
de la revista Círculo Mix Up

Los caminos del rock son tan extraños que muchísimos artistas han tenido en su muerte el mayor éxito mediático de su carrera.

Algunos son tan desdichados que se van sin siquiera probar un poco de la fama y la fortuna de las millonarias regalías generadas por sus discos póstumos.
Por eso, aqui te presentamos un top10 de discos que alcanzaron el éxito cuando sus autores ya estaban bien acomodaditos dentro de su estuche de metal, (y sí, nos ahorramos la obviedad de Mercury, Cobain y Lennon).

1) Selena – “Dreaming of you” (1995)

Justo cuando la autora de la Tecnocumbia se disponía a conquistar el mercado anglosajón con un material totalmente cantado en inglés, Yolanda Saldivar, una mujer de fama tan infame como su rostro, nos hizo el flaco favor de pegarle un balazo por la espalda a la menor del clan Quintanilla. El disco que había grabado meses antes de su muerte, resultó ser el éxito internacional que Selena tanto añoraba, pero que desgraciadamente ya no pudo disfrutar en vida.

2) Michael Hutchence – Michael Hutchence (1999)

En 1997, Hutchence combinaba sus obligaciones al frente de INXS con la grabación de un primer disco solista que trágicamente quedó inconcluso cuando al interprete de Suicide Blonde se le pasó la mano mientras practicaba la asfixia autoerótica –cada quien sus ondas- días antes de iniciar la gira del álbum “Elegantly Wasted”. Dos años después, el disco terminado por sus amigos Andy Gill y Bono, salió a la venta a manera de homenaje póstumo.

3) Sublime – Sublime (1996)

Después de haber editado dos discos en sellos independientes de medio pelo, a los californianos de Sublime parecía haberles llegado su momento de gloria cuando Universal accedió a distribuir su tercer placa. Todo parecía ir bien, pero a dos meses del lanzamiento global, a Brad Nowell, se le ocurrió celebrar con un pasón de heroína que forzó al líder de la banda a entregar el equipo justo antes de que sus canciones consiguieran cinco discos de platino.

4) Tupac Shakur – “Makaveli: The Don Killuminati: 7 Day Theory” (1996)

Posiblemente no exista otro artista con más grabaciones post-mortem que Tupac Shakur. Su vida y muerte son dignos de telenovela: oficialmente su asesinato se atribuye a rencillas personales con narcotraficantes, pero la leyenda urbana dice que los conflictos entre su disquera (Death Row) y la de Puff Daddy y Notorius BIG, (Bad Boy) hizo que sus dos acérrimos rivales mandaran acribillar al interprete de “California Love”. Lo cierto es que Tupac ha editado mas canciones muerto que vivo, lo cual pone en entredicho si de verdad Shakur descansa en paz... pero como informante protegido del FBI!

5) The Notorius BIG – “Life after death” (1997)

El corpulento protegido de Puff Daddy no vivió lo suficiente para disfrutar la vida de excesos característica de las estrellas del hip hop. Con apenas 25 años de edad, Christopher Letore Wallace, era una de las estrellas de la disquera Bad Boys que destacaba gracias a una prometedora carrera que culminó cuando fue acribillado en el interior de su lujoso auto. La versión extraoficial sugiere que el asesinato de Biggie fue ordenado por la gente de Death Row, en venganza por el asesinato de Tupac Shakur dos años antes. Lo cierto es que “Life after death” segundo y último disco de Biggie Smalls, -lanzado poco después de su muerte- a la fecha ha vendido mas de 28 millones de copias, generando ganancias millonarias que Biggie jamás disfrutó, gracias a que su “amigo”, el mágnate Sean “Puffy” Combs, amablemente administraba sus negocios.

6) Jeff Buckley – “Sketches for: My sweetheart the drunk” (1998)

Jeff cautivó a la crítica estadounidense con su maravilloso álbum debút de 1994 “Grace”. Su impecable ejecución en la guitarra, sus canciones contundentes y su voz de cuatro octavas y media, influenció definitivamente a cantantes como Matt Bellamy y Tom Yorke, quienes publicamente declararon su admiración por su música. Con tan solo 30 años y todo a su favor para consagrarse, Bucley desapareció en el río Wolf, en Memphis, cuando impulsivamente decidió introducirse al agua, de la cual ya no salió sino hasta cinco días después. Tras su muerte en 1997, las sesiones que alcanzó a grabar para su segundo álbum fueron editadas bajo el nombre de “Sketches for: My sweetheart the drunk” recibiendo una gran aceptación por parte del público,

7) Elliot Smith - “New Moon” (2007)

Aunque el trabajo de Smith siempre fue respetado y admirado por grupos como The Dandy Warhols, The Flaming Lips y Earlimart, nunca disfrutó de un éxito a la altura de sus grabaciones. Este factor, aunado a sus característicos estados depresivos y su adicción a la heroína lo orillaron a autoinflingirse dos puñaladas en el pecho en el 2003. Cuatro años después, su disquera recopiló 24 canciones inéditas, compuestas entre 1994 y 1997 y las publicó en un álbum doble cuyas ganancias serán destinada a obras de caridad.

8) Joe Strummer and The Mescaleros - “Streetcore” (2003)

Aunque la leyenda de Joe Strummer parecía suficiente para garantizar el éxito de The Mescaleros, no fué sino hasta la fatídica muerte del ex-líder de The Clash en 2002, que sus discos se volvieron de culto y despertaron un interés auténtico por la banda. Aunque “Streetcore”, editado en 2003, se convirtió en el álbum mas éxitoso de The Mescaleros, la banda decidió separarse un año antes de que saliera al mercado, renunciando así a cualquier posibilidad de éxito mediático.

9) Rockdrigo González – “ El profeta del Nopal” (1986)

Rockdrigo González nunca llegó a convertirse en el cronista rockero que anunciaba el maestro José Agustín. Como lo anticipaba en una de sus canciones, Rockdrigo “no tuvo tiempo de cambiar su vida” . El temblor que en 1985 derribó su departamento, envió al profeta del Nopal a predicar su rock rupestre al más allá. Por fortuna, las numerosas grabaciones que dejó para asegurar la existencia de su música al dejar el plano material, dieron origen a “El profeta del Nopal” y a tres discos póstumos más que se han convertido en verdaderas piezas de culto de nuestro rock urbano.

10) Lisa ”Left eye” Lopes - “Eye Lacy” (2008)

No es casual que quien concluya este listado sea un exponente del género hip hop. Nadie revive muertitos mejor que los afro-americanos y para muestra está el “nuevo” disco de esta mujer, ex integrante de TLC fallecida en un accidente en Honduras hace.. ¡siete años! “Eye Lacy” es un disco conformado por canciones producidas a partir de masters inéditos y duetos con Missy Elliot, Lil Mama y... ¡Tupac Shakur! El conmovedor dueto entre los dos muertitos, es algo tan irreal, tan visionario y tan conmovedor que mejor ya no le eguimos. ¿Qué quieren? uno se deprime.

Travis: Para Tristear con estilo

2008-11-13T08:50:00.000-08:00

Travis
Para Tristear con estilo
Ode to J. Smith, su nuevo disco

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Noviembre 2008
de la revista Círculo Mix Up

Un mexicano que consume Whiskey escocés y es aficionado al brit pop es -entre otras cosas- una versión sofisticada de los masoquistas que ahogan sus penas en Tequila mientras escuchan a José Alfredo Jiménez.

A los mexicanos nos encanta el drama y sufrir a manos llenas bajo el entendido de que por cada viernes de crucifixión habrá un sábado de gloria. Tal vez por esa razón, la banda que ganó fama gracias a una canción que lamentaba que una nubecita se posara eternamente sobre sus cabezas (¡hola emos!) sea tan popular en nuestro país.

Son múltiples nuestras conexiones con los escoceses a la hora de enarbolar pasiones como bien lo apunta el maestro Juan Villoro: “Somos países que nunca hemos tenido un protagonismo internacional y por ello hemos desarrollado el placer de llenar cualquier estadio. Si hubiera un campeonato mundial de aficiones, una final posible sería México-Escocia”.

Ante la imposibilidad de contar con artistas de verdadero prestigio internacional, en México nos conformamos con ser los mas ruidosos, los mas fieles seguidores de las bandas extranjeras. Grupos como Travis lo saben bien, y por ello tienen una especial predilección por el público de nuestro país, que abarrota sus cada vez mas frecuentes visitas.

Travis asume su papel como una banda de perfil medio que se brinda al máximo en sus presentaciones. Si bien su música no cuenta con el virtuosismo lírico de Pulp, o el carisma mediático de Coldplay, tampoco recurre a la soberbia excesiva de Oasis. Lejos de los primeros planos, Travis ha encontrado un nicho de culto a un nivel que les permite estar en contacto con sus fans y ofrecer presentaciones más intimas.

Tal vez ese derroche de humildad haya inspirado a “Ode to J. Smith”, un disco dedicado a personajes tan cotidianos como John Smith, el nombre más común en el Reino Unido. Esta placa, concebida bajo presión y terminada en tiempo récord para sincronizarse con el nacimiento del hijo del bajista Dougie Payne, es la primera que ve la luz de manera independiente con su propio sello “Red Telephone Box”.

A trece años de su formación, la banda lidereada por Fran Healy regresa a sus raíces Indie y retoma el sonido eléctrico de sus primeros años en un disco que promete mas momentos para mover la cabeza y saltar en sus conciertos, pero sin descuidar las fibras sensibles y las temáticas románticas de sus canciones.

En “Ode to J. Smith” hay rock sin azufre, hay sensibilidad pero sin tormentos depresivos, hay dulzura pero sin merengues empalagosos. Hay aquí una banda sin excesos, que demuestra que su autenticidad los mantiene vigentes en una época en la que las carrera musicales son tan cortas debido a la “reinvención” forzada y al eclécticismo barato que exige el éxito mediático.

Travis continua ofreciendo canciones fáciles de escuchar y colmadas del buen rock y la sensibilidad melódica que tanto gusta al público mexicano a la hora de “tristear con estilo”.

Travis
“Ode to J. Smith”
Red Telephone Box
2008

“Ode to J. Smith” es un disco que conecta a Travis con la vertiente eléctrica que caracterizó a sus primeras producciones. Temas como “Something anything” que privilegian el uso de riffs duros y requintos estridentes o “Chinese Blues” que recurre a coros extendidos y guitarras distorsionadas ilustran a la perfección este concepto.

Pero mas allá de un cambio sustancial en su música, el sexto álbum de los hijos predilectos de Glasgow ofrece un recorrido por algunas de su etapas sonoras mas peculiares: desde los ritmos guitarreros con reminiscencias de Oasis de “Long Way Down” o “Quite Free”, hasta temas con el feeling característico de Travis como “Last words” o “Before you were young”, en donde la sensibilidad aflora, hasta acercarse a territorios de Radiohead en temas como “Broken Mirrors”.

Por su parte “Friends” es un buen ejercicio de experimentación en el mood de Steely Dan, mientras que “Get up” ofrece una interesante improvisación vocal de Fran Healy. Eso si, nunguna compite con el brillo de “Something anything” y “Song to self”, canciones que dejan en claro la maestría que Travis ha cultivado a lo largo de los años en la vertiente del brit pop que actualmente dominan.

Entrevista con Earlimart

2008-10-09T12:38:00.000-07:00

Entrevista con Earlimart
Conversación telefónica con Aaron Espinoza

Por Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Octubre 2008
de la revista Indie-Rocks!

Hay grupos a los que los años de luchar en contra de la superficialidad de la industria musical, les ha ocasionado cicatrices que le sientan bien a su condición de guerreros. Earlimart es una de esas bandas combativas, que a base de determinación y talento se ha impuesto a frustraciones, limitaciones y a la constante subvaloración de la crítica especializada.

Formados en 1999 por Aaron Espinoza y Adriana Murray, Earlimart toma su nombre de un pequeño pueblo ubicado a las afueras de la glamorosa ciudad de Los Angeles. Al igual que este lugar, alejado del bullicio y el brillo de la metrópolis, la música de este dúo ofrece un respiro de rock pop, fino, accesible y sin demasiadas pretensiones

En conversación telefónica desde Los Angeles, Aaron Espinoza, nos habla de la reacción del publico después del primer tour promocional de “Hymn and Her”, séptima placa de estudio del grupo editada apenas en el pasado mes de Julio : “Acabamos de regresar del tour por norteamerica y la reacción del publico ha sido increíble, contamos con una gran base de fans a la que les ha encantado el disco y que nos ha motivado a iniciar una segunda vuelta de conciertos que iniciará en septiembre y que con suerte llegará a otros países como México”.

En una escena musical en donde lo Indie comienza a convertirse en un término patentado por las compañías transnacionales, Espinoza y su banda se mantienen firmes en su particular forma de editar música a través de su propio sello: “Para nosotros, hacer discos de manera independiente siempre ha sido una aventura. Alejarnos de la industria y hacer discos con nuestro propio sello (Shout Factory Records) es un proceso que disfrutamos mucho: llevar nuestras canciones al estudio de grabación, maquilar nuestros discos en un sótano y venderlos directamente al público es algo que disfrutamos mucho. Es nuestra forma de ver lo indie”.

La paradoja, es que su incansable oposición a las políticas de las majors solo puede compararse con su prolífica producción independiente. En el lapso de un año, la banda ha editado dos discos de altísimo nivel: “Mentor Tormentor” (2007) y “Hymn and Her” (2008) éste último, refleja la compenetración de ambos musicos en los últimos años: “El título de Hymn and her” tiene que ver con ciertas cuestiones religiosas que son importantes para nosotros, pero básicamente, surgió porque Ariana y yo creamos el disco nosotros solos, valiéndonos únicamente de la ayuda de algunos amigos”.

Pese a no contar con el aparato de difusión masivo de una disquera, las canciones de Earlimart han tenido una gran difusión al ser incluidas en el soundtrack de series de televisión tan populares como House MD, (en donde aparece “It’s ok to think about ending”), o Kyle XY (“Nevermind the Phonecalls”). Ante esta situación, la pregunta obligada es: ¿Porque Earlimart no es una banda mas conocida? “Bueno, si te refieres a porque no hemos firmado con una Major, la respuesta es simple: las Majors llevan un buen rato muertas. Al ser independiente, la gente tiende a pensar que nuestra música es poco conocida, pero te sorprendería conocer la gran cantidad de gente que te escucha aún siendo una banda under”.

A comparación de sus discos anteriores, en éste, la presencia de Murray es sustancialmente importante. Además de escribir las geniales “Before it Gets Better” y “A time for yourself”, Ariana toca el piano, el bajo eléctrico y canta con una dulzura que hipnotiza y cautiva. “Ariana escribió mas canciones en este disco que en ninguno otro, ha mejorado muchísimo como compositora y eso es algo que la gente no deja de agradecer”.

Como su título señala“Hymn and Her” divide el corazón en dos mitades: Una, la femenina, que sonríe con la ternura del piano y la encantadora voz de Ariana en canciones como“Tell me” y “For the Birds”. Y otra, que provoca escalofríos al escuchar “Song For” y “Cigarettes and Kerosene”, tema del cual Aaron comenta: “Hay una gran cantidad de referencias a la ciudad de Los Angeles en nuestra música. Se suele pensar que L.A. es el lugar en el que tienes que estar si quieres ser famoso, si quieres salir en las fotos y tener éxito. Pero llegando aquí te topas con un mundo de drogas, prostitución y cosas peores. Para mi, Cigarettes and Kerossene refleja esa historia del chico de pueblo que se enfrenta a la realidad de la gran ciudad en busca de conseguir sus sueños”.

Earlimart no es una banda mediática debido a que el éxito comercial exige celebridad y no talento. Ellos no hacen discos para mantenerse actuales, sino para completar obras que provoquen reacciones en quien las escucha. En gran medida, sus canciones son como los besos: granadas emocionales que nadie puede presenciar sin sentirse afectado de alguna forma.

Earlimart es un hallazgo afortunado dentro de las miles de bandas predescibles y prescindibles que surgen a diario en el universo de la música indie. ¿Diamante escondido?, ¿secreto mejor guardado? ¿aguja en un pajar? you name it!

Diez discos para sudar con estilo

2008-09-08T08:23:00.000-07:00

Diez discos para sudar con estilo

Una selección musical para correr motivado

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Septiembre 2008
de la revista Círculo Mix Up

La vida es un gran ritmo que se construye a base de los latidos, las exhalaciones y los sonidos que producen los seres vivos cuando se ponen en movimiento.

Para muchos, la música es el catalizador que sincroniza los ritmos del cuerpo cuando desarrollamos una actividad física como correr o trotar durante más de media hora. Según estudios recientes de la West London’s University: “Escuchar la canción adecuada cuando entrenamos no solo reduce la sensación de cansancio, sino que incrementa el desempeño físico hasta en un 20 por ciento”.

Aunque parece sencillo elegir una canción como “Song 2” de Blur para levantarnos del sillón y salir corriendo, estructurar una lista de reproducción que regule nuestro ritmo de carrera no es tarea fácil. Según los especialistas, los mejores discos para correr deben tener un ritmo constante, bases armónicas progresivas y letras motivantes que te impulsen a mover las piernas por un tiempo prolongado.

Por eso, para ayudarte a cultivar tu adicción por las endorfinas, aquí te presentamos diez de los mejores discos para sudar con estilo:

1. LCD Soundsystem –“Sound of Silver”

Si algo caracteriza a las canciones de James Murphy, son las bases rítmicas que progresivamente suben en fuerza e intensidad hasta alcanzar niveles en los que las zancadas se acoplan al ritmo de la música. Canciones como “All My Friends”, “Get Innocuos!” y “North American Scum” alternan ritmos de alta y baja frecuencia que favorecen la recuperación respiratoria y regulan el gasto energético. Las atmósferas sonoras del “Sound of Silver” te ayudarán a encontrar tu ritmo ideal y a administrar tu energía mientras corres.

2. The Rapture – “Pieces of the People We Love”

El segundo disco de The Rapture es una explosión de funk, rock y electrónica ideal para correr motivado y de buen humor. Canciones como “Get Myself Into It“, “The Devil” y “Whoo! Alright – Yeah Uh Huh” producen una vibra optimista que te será de mucha utilidad cuando llegen los momentos en que necesites un impulso extra para mantener el ritmo de tu carrera.

3. Sussie 4 – “Música Moderna“

Muchos corredores prefieren entrenar con música que los haga olvidar que están haciendo ejercicio. Canciones como ”On time” y “Suite Tropical” son perfectas para transportar tu mente de la pista de atletismo a la de baile y hacerte olvidar que aún te faltan otras diez vueltas para terminar tu entrenamiento.

4 Justice – “Cross”
Las líneas rítmicas de la música electrónica de Justice, harán que tu cuerpo inconscientemente se adapte al ritmo de tracks como “Phantom” y “Waters of Nazareth”. Los ritmos repetitivos son ideales para concentrarte y mantenerte alerta, además, canciones como “D.A.N.C.E.” te darán un empuje extra de motivación que te encenderán y te harán correr a tope.

5. Midnight Juggernauts – “Dystopya”

Correr es una oportunidad inmejorable para desconectar a la mente del cuerpo y viajar por los lugares que la música disponga. “Dystopya” es música de alto octanaje que combina la contundencia del rock con las atmósferas semi-ambientales de la electrónica. Los Beats astronómicos de “Into the Galaxy” y “Ending of a era” te harán despegar y volar por la pista a velocidad luz.

6. Audio Bullys – “Ego Wars”

El Hip Hop pausado y eufórico de estos raperos londinenses es ideal para mantener un ritmo regular mientras se recorren distancias largas. Canciones como “100 million” y “We don’t care” te mantendrán en un ritmo estable, pero que paulatinamente irá en aumento cuando tracks como “Way too long” y “Hit The Ceiling” te impulsen a acelerar el paso, mover más rápido los brazos.

7. Arctic Monkeys – “Favourite Worst Nightmare”

Gran parte de la diversión al entrenar, es competir con otros corredores. Si tu intención es divertirte un rato dejando atrás a un par de tortugas, no dudes en disparar canciones rápidas como “Brianstorm”, “Teddy Picker” o “D is for Dangerous” para subir el ritmo y mantenerte con la velocidad a tope mientras pones unos cuantos metros de distancia entre tu y tus contrincantes.

8. Rage Against The Machine – “Rage Against The Machine”

Las canciones con ritmos furiosos nos hace acelerar el paso y demostrar de que estamos hechos. En ese sentido, las letras incendiarias y los ritmos combativos de canciones como “Killing in the name of” , “Know your enemy” y “Bombtrack” te catapultarán hacía adelante borrando la palabra “derrota” de tu vocabulario.

9 AC/DC – “Back in Black”

Cuando las fuerzas te abandonan y la idea de detenerte ronda peligrosamente por tu cabeza, recurre a una canción estimulante como “Back in Black” para apelar a tus emociones y volver a la batalla. Casi toda la discografía de los australianos alude a la maldad, a la virilidad masculina y a la fuerza bruta que no admite lugar para los debiles. Correr acompañado de temas como “You shook me all night long” , “Shake a Leg” y “Shoot to Thrill” sacará tu actitud temeraria y te impulsara a cruzar la meta sintiéndote el más malote de la carrera.

10 Muse – “Black Holes and Revelations”

“Black Holes and Revelations” es una combinación de los anteriores. Desde los ritmos tranquilos y sin complicaciones de “Take a Bow” y “Starlight”, hasta los ritmos rápidos de “Supermassive Blackhole” y “Map of the problematique" este disco te ofrece una combinación perfecta de beats, que cierra de manera triunfal con la poderosa “Knights of Cydonia”, track que te motivará a quemar tus últimas reservas y cruzar la meta como todo un campeón.

Entrevista con Los Bunkers

2008-08-11T08:51:00.000-07:00

La Invasión de los Chileangos
Entrevista con Los Bunkers

Por Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Agosto 2008
de la revista Círculo Mix Up

La banda chilena consentida de México está de regreso con Barrio Estación, la primera de cinco producciones pactadas con la división mexicana de Universal Music como parte de un contrato como artistas prioritarios.

A tres años de su último trabajo de estudio (“Vida de Perros”, 2005), la banda encara con optimismo la aventura de dejar su natal Santiago, para mudarse al DF y engrosar las filas de un nuevo capricho del mestizaje cultural: Los Chileangos. Platicamos con los hermanos Álvaro y Gonzalo López acerca de “Barrio Estación”, el disco con el que planean reafirmar su conquista del mercado nacional, y cuyo primer sencillo “Deudas” suena ya en la radio.

La pregunta obligada: ¿Qué separa a este álbum de los anteriores?

Gonzalo López: En los discos anteriores incluimos quenas, puyas e instrumentaciones sudamericanas. Había demasiada experimentación. Por eso decidimos que éste, sería un disco mucho mas guitarrero.

Noto en temas como “El tiempo que se va” ciertos toques de funk y algunos arreglos de R&B.

Alvaro López: Si, eso es porque nuestros guitarreros siempre están buscando nuevos sonidos, no necesariamente en cuanto a efectos o distorsiones, sino en cuanto a cosas que estamos escuchando en el momento. Como bien comentas, hay canciones con funk a la Curtis Mayfield, pero también canciones como “Fiesta” con guitarras acústicas que recuerdan a artistas como Víctor Jara.

Deudas es su primer single, ¿Porqué elegir este tema, se sienten en deuda con alguien?

G.L: Siempre te sientes en deuda con alguien, es parte de la vida. Elegimos esa canción porque es un concepto cotidiano y fácilmente entendible.

A.L: Y es que a veces tienes deudas emocionales que muchas veces son más fuertes que las de cualquier otra índole.

¿Este disco saldrá en México bajo el formato de memoria USB con el que se lanzó su placa "Los Bunkers en Vivo" (2006)?

A.L: Si, es la intención, habría que gestionarlo con la gente de la disquera, pero nuestra intención es seguir explorando con todos los formatos que van saliendo y adecuarnos a los cambios tecnológicos.

Al público mexicano se le critica su debilidad por el brit pop. Desde sus inicios, a Los Bunkers se les ha identificado con este género. ¿Qué opinión tienen al respecto?

A.L: Nosotros hacemos música influenciada en lo que hemos escuchado desde pequeños. En este disco hay canciones que recurren a átmosferas guitarreras folk como las de Víctor Jara, o Los Jaivas, que es música que escuchabamos cuando nos vestiamos para ir a la escuela. También tenemos influencia de Los Ángeles Negros, de los Beatles y de muchos grupos de rock más.

Desde ese punto de vista, ¿Barrio Estación es un disco nostálgico o de añoranza hacia tiempos pasados?

A.L: No propiamente reflexivo, si bien tiene algunos momentos de melancolía, la cosa tambien es jugar con esos sentimientos, y el tema que ustedes en méxico entienden tan bien de burlarse un poco del dolor y de la muerte.

Han construido su base de fans gracias a la emotividad de sus conciertos. ¿Este disco está diseñado para sonar mucho mejor en vivo?

G.L: No sé si está hecho para tocarse en vivo, de hecho hay muchas canciones que no suenan igual o que no podemos tocar en directo porque nos falta alguna guitarra o algún teclado. La intención no fue diseñar un disco para tocar en vivo, nosotros hacemos canciones para que la gente las sienta y las cante en los conciertos, pero esa reacción no depende de nosotros, sino del efecto que nuestros temas tengan sobre el público

A.L: Nuestra intención desde que nos formamos en Chile, es la de ser un grupo popular. Un grupo para muchos tipos de audiencias, tal vez por esa razón conectamos tan bien tanto con el publico chileno como con el mexicano.

¿Vive Latino o Viña del Mar?

A.L: Ja! ¡Buena pregunta! Ser un grupo popular no tiene que ver con tener que tomar una elección así. Hemos tocado en estadios repletos y al día siguiente en un sótano de mierda, Pero como te dije, somos un grupo popular y queremos tocar en donde podamos. El Vive Latino es muy importante para nosotros porque en Chile no existen festivales masivos como ese. Vaya, lo mas reciente fue la primera versión del Vive Latino realizado en Chile.

Barrio Estación se estrenó en México un mes antes que en Chile. ¿Es un hecho su cambio de residencia al Distrito Federal?

A.L: Si, ¡desde Junio somos todos uno Chileangos! (Risas)

G.L: La cosa es que en México aún hay disqueras grandes, eso ya no existe en Chile. Allá ya no hay majors, el mercado esta dominado por pequeños sellos independientes que dominan .
Antes, estar en un sello transnacional era importante, te daba nombre, pero tal parece que ahora las bandas se conforman con editar en sellos pequeños o subir sus canciones en internet. Nosotros no queremos eso, queremos ir más allá.

¿No les da miedo terminar como sus compatriotas de La Ley, que luego de venir a vivir a México terminaron separándose?

G.L: No, no nos da miedo. Allá en Chile hay un grupo que se llaman Los Jaivas, que para que te des una idea, tienen mas años juntos que los propios Rolling Stones. A una carrera asi de longeva es a la que queremos aspirar.

Álvaro, ¿Te ves actuando en telenovelas como Beto Cuevas?

A.L: (Risas) No, no lo creo. Creemos tanto en este disco que no creo que tengamos que recurrir a esas cosas. Pero... hace poco salió en una película ¿no? (risas)

G.L: ¡Ya suficiente trabajo tenemos con los videos como para andar pensando en rodar películas!

Los Bunkers
“Barrio Estación”
Universal
2008

El disco abre con “Coma”, tema guitarrero que bien podría pertenecer a algún disco de Oasis, con la salvedad de que no es Liam Gallager, sino Álvaro López quien ataca las vocales. El feeling de brit pop sigue en temas como “Me muelen a palos”, “Deudas” y “Anden”, cortes que recuperan el punch que puso en el mapa a esta banda.

Letras que hablan de temas de la vida cotidiana, el amor y el tiempo. son la constante en un disco en el que hay lugar para la experimentación, aunque no siempre con resultados gratos. “Fiesta” recuerda el sonido de Los Ángeles Negros, “Una nube cuelga sobre mi” recurre a sonidos circenses y líneas corales predescibles y prescindibles, mientras que“Capablanca” es una pieza instrumental lenta y sin fuerza ubicada justo a la mitad del disco.

Afortunadamente, la segunda mitad del disco ofrece temas más brillantes, como la deliciosa experimentación con guitarras funk en “El tiempo que se va”. o la impecable ejecución de guitarras con phaser y la voz alternada de Francisco Durán y Álvaro López en las vocales de“El mismo lugar”.

Al final, “Barrio Estación” proyecta una espiral de ritmos e influencias sonoras en las que resulta fácil perderse. Aunque el álbum alcanza la regularidad y cuenta con un par de tracks con potencial radiable, los chilenos deberán trabajar mucho para imponerse a las criticas acarreadas por la larga espera y las grandes expectativas que envuelven a este nuevo material.

2008-08-11T08:35:00.000-07:00

Earlimart

Una gema escondida en el pajar de la música Indie

Por Pedro Escobar

Reseña publicada en el número de Agosto 2008
de la revista Círculo Mix Up

A tan solo un año del lanzamiento de su genial “Mentor Tormentor” (2007), Earlimart regresa con éste, que es el quinto álbum de estudio del dúo californiano integrado por Ariana Murray y Aaron Espinoza.

A comparación de sus discos anteriores, en ésta a presencia de Murray es sustancialmente importante. Además de escribir las geniales “Before it get’s better” y “A time for yourself”, Ariana toca el piano, el bajo eléctrico y canta con una dulzura digna de los mismísimos ángeles.

Por otro lado, la voz espectral de Aaron Espinoza acompañado de su guitarra con slide, contrasta con la belleza instrumental de piezas como “Song For”, “Town where you belong” y la inflamable y melódica “Cigarettes and Kerosene”, corte que aborda temas como la soledad y la infidelidad solo por si faltaran cerillos para incendiar la casa en una noche de depresión.

Canciones como “Teeth”, “For The Byrds” y “Tell me” ofrecen texturas sonoras que bien vale la pena escuchar con los audífonos puestos para apreciar la verdadera dimensión de los arreglos de cuerdas, los coros sobrepuestos y el impecable trabajo de producción de Andrew Lynch y Jeff Palo.

Earlimart produce una singular magia que divide el corazón en dos mitades: Una que sonríe con la dulzura del piano y la encantadora voz de Ariana Murray, y otra que provoca un escalofrio al escuchar a detalle las letras colmadas de honestidad brutal de Aaron.

Earlimart
“Hymn and Her”
Shout Records
2008

2008-07-15T08:31:00.000-07:00

El Mundo Para Los Warhols

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Julio 2008
de la revista Círculo Mix Up

La banda mas estridente de Portland viene con una placa llena de eclecticismo rítmico, guitarras distorsionadas y una espiral psicodélica que se eleva por el espacio sideral hasta alcanzar la gravedad cero. Se trata de “...Earth to the Dandy Warhols”, el álbum mas arriesgados del grupo desde su mítico “Welcome to the Monkey House” de 2003.

Después de tres años de ausencia tras “Odditorium or Warlords of Mars” (2005), la banda regresa con un disco que equilibra los feedbacks lisérgicos con temas de potencial bailable, y en donde es posible distinguir instrumentos como banjos y trompetas de mariachi hasta ahora inéditos en su discografía. No es casual que la apuesta por ofrecer un álbum amistoso con la radio coincida con el término de su relación con Capitol records, la edición de este álbum marca el debút de “Beat the World Records”, sello creado por los Warhols que continua con la cadena de autoproducción que inauguraron en 2004, cuando adquirieron “The Odditorium”, el estudio de grabación del que han surgido sus dos mas recientes producciones.

Armados con un arsenal de canciones contundentes, y con excepcionales tiradores invitados como Mark Knopfler y Mike Campbell (Tom Petty & The Heart Breakers) los Warhols parecen decididos a retar a su suerte y poner las expectativas muy alto, a juzgar por la foto panorámica que ilustra la portada del disco.

Asumir la total libertad creativa de “...Earth to the Dandy Warhols” le ha implicado a la banda el reto de buscar fórmulas innovadoras para la comercialización de su música y conocedores de que la primera dosis siempre es gratis, el primer sencillo “The World, The People, Together (come on)” se ofreció de manera gratuita bajo un innovador sistema de suscripción en su sitio oficial, que ofrecía la descarga legal del resto del álbum (antes de su llegada a tiendas), incluyendo una copia física del disco y un póster de colección enviado por correo por el módico precio de 35 dólares.

Es curioso que los jóvenes que en 1993 reclamaban sus 15 minutos de fama en Portland, Oregon, cumplan este 2008 casi 15 años al frente de una escena que ha visto surgir a bandas tan sui generis como The Brian Jonestown Massacre, The Shins o The Decemberists.

Los años han mejorado sustancialmente la calidad de las guitarras voladoras de Peter Holmstrom, los teclados de la virtuosa Zia McCabe. la batería de Brent De Boer, y el genio creativo de su compositor y vocalista: Courtney Taylor-Taylor, dueño de una voz alucinógena sin desperdicio.

Solo el tiempo dirá si con “...Earth to the Dandy Warhols” la banda dará ese “pequeño paso para una banda...” o si de plano los declaramos perdidos en el espacio, como al satélite Morelos II.

The Dandy Warhols
“...Earth to The Dandy Warhols”
Beat The World Records
2008

El álbum abre a todo vapor con las percusiones de “The people, The world, Together (come on)”, que de a poco, se van transformando en ritmos bailables y vocalizaciones que recuerdan los momentos mas gays de Scissor Sisters.

Por suerte, la virilidad vocal de Courtney Taylor-Taylor se reivindica al compás de los beats ochenteros de “Mission Control”, mientras que en “Welcome to the third world” acompañado de una deliciosa base rítmica de guitarra funk hace recordar a The Rolling Stones y su clásico “Miss you”. La fiesta continua con “Mis amigos”, tema que parece diseñado especificamente para colarse en las fiestas y ser cantada a todo pulmón con todo y sus trompetas de mariachi.

Hasta aqui los fans a ultranza se preguntarán: ¿Dónde quedó la la furia psicodélica que caracteriza a los discos de los Warhols? La respuesta la tiene la guitarra Gibson de Peter Holmstrom que con los primeros tres acordes de “Wasp in the Lotus” deja claro que el poder hipnótico de los Warhols sigue intacto mientras una espiral de guitarras, percusiones y teclados ponen en órbita el disco a base de feedback puro.

Aún flotando en gravedad cero, aparece la sesentera “Love Song” una de las joyitas del disco, en donde los Warhols presumen de contar con Mark Knopfler y Mark Campbell rasgando las cuerdas en un espléndido track plagado de banjos y guitarras.

Al final The Dandy Warhols pueden sentirse seguros de haber creado un disco redondo. Con el balance perfecto entre desmesura alucinógena y armonía lúdica que garantiza buen baile, coritos pegajosos y alucine al por mayor. ¿Qué mas se puede pedir?

2008-07-01T12:38:00.000-07:00

Plants and Animals
"Parc Avenue "

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Junio 2008
de la revista Círculo Mix Up

La música es movimiento. Y el movimiento de los seres vivos es fuente de inspiración para la música de Plants and Animals; trio de Folk Rock canadiense que se mueve brillantemente por los diversos ecosistemas sonoros que dan vida a su álbum debut "Parc Avenue".

Originalidad, improvisación y cambios de ritmo son las cartas fuertes de un grupo que deja de lado los amplificadores en función de un sonido orgánico, fácil de digerir y sustentado en instrumentaciones de cuerdas y piano que acompañan a las voces de Warren Spicer, Nic Basque y Mattew Woodley a lo largo de 12 tracks totalmente biodegradables.

Letras que hablan de madurez, amor y la incertidumbre de vivir en estos tiempos, acompañan al escucha a lo largo de un disco en donde cada canción sorprende con un entorno diferente. Temas básicos, como “Bye, Bye Bye” y “Good Friend”, que apelan a la sensibilidad del piano para ventilar carencias afectivas, conviven con canciones de naturaleza progresiva como “Faerie Dance” y “Early in the Morning” en donde pueden apreciarse arreglos de violines, arpas y flautas escondidas debajo de líneas corales que sustentan a tracks con potencial bailable como "Mercy" y "Feedback in the field", en donde toman prestado el recurso del silbidito justo antes de que el viaje tome rumbos psicotropicos en temas como “Keep it real” y “Guru” que recuerdan la psicodelia de los años 70’s.

Al final, Parc Avenue se define como un oasis sonoro que hipnotiza a cualquiera gracias a la belleza y riqueza de recursos de una propuesta que confirma porque la escena indie de Montreal es el lugar a seguir hoy en día.

Plants and Animals
“Parc Avenue”
Secret City Records
2008

2008-04-28T09:27:00.000-07:00

The Charlatans
"Viajeros de la memoria "

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Abril 2008
de la revista Círculo Mix Up

The Charlatans cuentan con los méritos suficientes para convertirse en una especie de Rolling Stones de nuestro siglo: Son sobrevivientes de la era Madchester, que floreció en los noventa y que influenció de manera definitiva la música británica de esa década; cuentan con un prolífico frontman personificado en el multifacético Tim Burgess, y su historia incluye la trágica muerte de uno de sus integrantes.

Pero más allá de los escándalos en que se han visto involucrados, la principal virtud de la banda radica en su constante reinvención musical, y en el hecho de que tras 18 años en activo aún cuenten con el combustible suficiente para echar a andar sus engranajes y producir una nueva placa ad hoc a las condiciones actuales del mercado musical.

Al respecto, Tim Burgess comenta:

“Somos verdaderos entusiastas de la música, nuestra vida es esto... supongo que de ahí sale esa energía”. Escuchar la décima producción de la banda de West Midlands es tomar una lección de cómo envejecer de manera elegante.

Es curioso que esta placa se sume a la vertiente de “comercialización” inaugurada por el In Rainbows, de Radiohead, ya que no solo se permitió su descarga digital en el sitio xfm.com.uk, sino que además se convirtió en la primera banda británica en hacerlo de manera totalmente gratuita. Es así que al paso de los años, Tim Burgess (voz), Mark Collins (guitarra), Martin Blunt (bajo), Tony Rogers (teclados) y Jon Brookes (percusiones) han experimentado la transición del vinil a la cinta magnética, del cassette al disco compacto, y de ahí al formato meramente digital.

Con todo, ¿será posible encontrar grandes novedades de la banda, en pleno 2008? La respuesta la tiene el propio Tim Burgess cuando afirma al diario ABC, de España: “En este disco hay una mezcla de muchas cosas diferentes; ha sido producido por Alan Moulder (productor de The Killers, NIN y Arctic Monkeys) y es una equilibrada combinación de sonidos de los 80, pero con una visión más actual”

The Charlatans transitan a través del tiempo como felices viajeros de la memoria, con destino final en un presente que jamás ha dejado de pertenecerles.

Hay que confiar mucho en la calidad de un album para ofrecerlo gratuitamente en internet y esperar que después de varias semanas en el Ipod, los fans aún cuenten con el entusiasmo suficiente para comprar el cd en su tienda local. Por suerte, este es el caso de “You Crossed My Path”.

El disco es una mezcla de diferentes épocas de The Charlatans, en donde lo mismo hay canciones pop de primera línea como “Oh Vanity!” o “Mis-takes”, que temas de naturaleza rockera, como la enérgica “You Crossed My path” o la hipnótica “My Name is Despair”.

Aunque a lo largo del disco prevalece una atmósfera que recuerda a una versión revolucionada de New Order, también hay verdaderas gemas escondidas. Como “A Day For Letting Go” o “This is The End”, un hermoso tema que podría servir como colofón cuando The Charlatans decididan retirarse.

The Charlatans
You Crossed My Path
Cooking Vinyl
2008

2008-04-22T12:52:00.000-07:00

Entrevista con Delorean
Ciudad de México
18 de Marzo 2008

Por Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Abril 2008
de la revista Indie Rocks!

Concebidos a medio camino entre VHS or Beta y The Rapture, Delorean es uno de los referentes mas emblemáticos del electro punk Español. Formados hace ocho años en Zarautz, en el centro del país Vasco, estos españoles han ganado fama por producir una poderosa mezcla de guitarras atmosféricas post punk y beats bailables que trabajan en función de letras oscuras cantadas en inglés.

Aprovechando su mini tour por nuestro país, Indie Rocks! platicó con Ekhi Lopetegui (bajo y voces), Unai Lazkano (teclado y voces) e Igor Escudero (batería), acerca de como ha ayudado internet a la música Indie, de su colaboración con The Teenagers, y de que tanto ha cambiado el mundo a cuatro años de su primer visita a México.

IR! ¿Cómo los trata México después de tanto tiempo de ausencia?

Unai: Todo bien, la verdad es que en Monterrey, en Guadalajara, y aquí en el DF todo ha marchado muy bien, es un gran gusto estar de vuelta.

IR! Algunas cosas han cambiado en México desde su última visita. Un boom por los festivales, - como el Manifest que los trajo en 2004 - se vive en nuestro país ¿Cómo se vive este fenómeno en España?

Unai: Pues si aquí va bien, imagínate que durante el verano, en España, hay un festival en cada pueblo. Es una locura, pero esta muy bien, porque es una buena oportunidad para tocar y ver a muchas bandas.

Igor Escudero (batería) y Ekhi Lopetegui (bajo y voces) de Delorean en entrevista con IR!

IR! Su último disco estudio, “Into the Plateau” se editó en 2006. ¿Cuando podremos escuchar una nueva placa de Delorean?

Igor: Hasta ahora hemos ido haciendo las cosas como han ido saliendo, ahora mismo no tenemos disquera, y tal y como esta la industria, preferimos hacer nuestro camino: hacer canciones y que la gente decida si son buenas o malas, no una disquera.

Unai: Una banda como nosotros, vive de los directos y de dejarse la piel sobre los escenarios, no de vender discos. Realmente lo que queremos es que vengan a nuestros conciertos y se la pasen bien con nosotros. El tema, es que es ahí cuando las grandes disqueras tratan de agarrarte por los huevos con el tema del management y de los derechos de autor, por eso joden tanto con la piratería, cuando la piratería (digital), a bandas como nosotros, no hace mas que beneficiarnos de una manera brutal.

IR!: Entonces, ¿están a favor de las descargas digitales?

Unai: ¡Bájense nuestros discos! Igor te lo puede explicar muy bien.

Igor: Hoy vivimos en internet una época dorada, ¿sabes? hoy en día ya no hacen falta los intermediarios: tu pones tus canciones en internet y la gente dirá si son buenas o no y entonces, si son buenas, se correrá la voz, y una disquera grande se fijará en tí y te caerá la pasta. Para mi, internet es lo mejor que nos pudo haber sucedido, porque pone a todos al mismo nivel.

IR! ¿Cuales son las canciones más tocadas en sus Ipods estos días?

Ekhi: Ahora mismo escuchamos mucho a El Guincho: un chico de Islas Canarias, radicado en Barcelona, y que recientemente ha fichado con el sello XL (M.I.A., White Stripes, Prodigy).

Unai: Y ha fichado con XL por lo que hablabamos antes, porque hace música de verdad. Ha colgado sus canciones en internet y a la gente le ha encantado. Ha tenido tanta aceptación, que ha llamado la atención de una disquera. Animamos mucho a la gente a que escuche a El Guincho (myspace.com/elguincho) seguro les va a encantar.

IR! ¿Cuál fue su experiencia al remezclar a The Teenagers, el grupo al que todo mundo señala como la banda a seguir en el 2008?

Ekhi: Estamos hablando de lo mismo ¿sabes? Fue My Space. No hubo ni managers, ni intermediarios, ni nada. Ellos mismos nos escribieron, la gente de su sello (Mirok) - que son chavales mas jóvenes que nosotros- nos contactaron por esa via (myspace.com/deloreandanz) y pues vale, lo hicimos. ¡Viva My Space! es lo único que podemos decir.

IR! ¿Qué te parece esta generación? en donde adjetivos como “Emo” son moneda de cambio para identificar a adolescentes que no tiene problemas en maquillarse, vestirse de negro y mostrar piercings, pero que evidentemente, ocultan todo lo demás.

Igor: El rollo del Emo en España lo hemos vivido simplemente como música Indie, ¿sabes? luego aparecieron grupos como Good Charlotte que se pintaron los ojos y ahora llaman Emo a cosas como My Chemical Romance.

Unai: Pero por otro lado, hace cuatro años que conocimos el tianguis del Chopo, nos encantó el rollo de la vestimenta, de los blackies y de los skas, y también está muy bien, si te gusta identificarte con algún tipo de música: ¡Ponle tus huevos, y vístete como te guste!

IR! Pareciera que cada ciclo olímpico vienen por acá ¿van a tardarse otros cuatro años en regresar a México?

Unai: Aseguramos que vendremos más. Ahora mismo estamos intentando tocar más por todos lados.

2008-03-11T13:07:00.000-07:00

GOLDFRAPP
"Seventh Tree"

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Febrero 2008
de la revista Círculo Mix Up

Hay algo en lo que los instructores de yoga y los periodistas musicales están de acuerdo: no hay nada mejor para aliviar las tensiones del cuerpo y recuperar la armonía emocional que caminar con los pies bien plantados sobre la tierra.

Tras dar vida al monstruo comercial llamado Supernature, Alison Goldfrapp y Will Gregory dejaron de lado el glamour y los zapatos de baile para caminar descalzos sobre los jardines de su estudio privado en Somerset, Inglaterra, mientras daban forma a su más reciente creación: Seventh Tree; un álbum que según ellos “Representa la contraparte sensual del glamour y brillo de Supernature”.

Esta vez, el dúo creó un disco con tintes folk que guardara claras referencias con su aclamado debut Felt Mountain (2000), un material plagado de orquestaciones delirantes sobre las que la hipnótica voz de Alison daba el toque final a piezas como “Utopia”, sencillo que los dio a conocer y que de inmediato provocó comparaciones con Portishead y Massive Attack.

Su autodenominado electroclash evolucionó hacia las atmósferas dance que materializaron Black Cherry (2003), que llevó los beats experimentales hacia las pistas de baile con canciones como “Train” y “Twist”, que de inmediato confirmaron la eficacia de la nueva fórmula en el gusto del público. Paralelamente, la belleza terrenal de la rubia se convirtió en la imagen arquetípica de la banda, creando un personaje de femme fatale que remitía a los años oscuros en los que Alison enfrentó una adicción al alcohol y la marihuana, antes de conocer al compositor Will Gregory en la Universidad de Artes de Middlesex, Inglaterra.

Goldfrapp logró combinar lo mejor de sus dos producciones previas al editar el exitoso Supernature, que logró superar el millón de copias vendidas gracias a un sonido plagado de sintetizadores y bases rítmicas que catapultaron al dúo a la primera división comercial. Las composiciones de Gregory mejoraron y la voz de la rubia se perfeccionó en canciones como “Oh la la”, “White horse” y “Number one”, que se convirtieron en clásicos instantáneos al colocarse en las listas de popularidad de Estados Unidos e Inglaterra.

Tras el vendaval de ventas que representó ese disco, la critica especializada vaticinó un suicidio comercial en la carrera del dúo, debido al corte “Slow tempo”, del nuevo álbum Seventh Tree. Lo cierto es que este cambio de dirección obedece a una premisa básica que el grupo siempre se ha planteado: el nuevo álbum será polémico o simplemente no será.

A diferencia de discos anteriores, éste no abre con un torrente de teclados y percusiones, sino con la voz desnuda de Alison, cantando más sensual que nunca y acompañada solo por un par de guitarras acústicas y una finísima orquestación.

En el video del sencillo “A&E”, Alison aparece vistiendo un sencillo camisón blanco, mientras canta en medio de un bosque que progresivamente va cobrando vida.
Es curioso que a finales de una década dominada por la exploración electrónica, Goldfrapp decida circular en contrasentido al resto de la industria con un disco de corte folk.

Lo que es un hecho es que estos ingleses han dejado de interesarse en el éxito comercial, en función de recobrar su autenticidad musical.

Goldfrapp

"Seventh Tree"
Mute Records
2008

2008-02-26T08:35:00.000-08:00

Entrevista con Los Implantes
Guadalajara, Jalisco
20 de Octubre 2007

Por Pedro Escobar

Reseña publicada en el número de Diciembre 2007
de la revista Indie Rocks!

La mayoría de las noches memorables comienzan al beber el primer sorbo de una cerveza consumida en una ciudad extraña. Bajo la condición de visitante, es fácil asumir la actitud de ser otro en distintas circunstancias, y convertirse en un fuereño ligero de peros y lleno de disposición a lo que la noche disponga.

A propósito de su visita a la ciudad de Guadalajara, Indie Rocks! pudo platicar con Los Implantes, agrupación regiomontana con claras influencias de surf y rock ‘n’ roll y que a la fecha cuenta con dos Eps editados con el sello independiente Nene Records: “Television a color” (2006) y “Guau” (2007.

Compartiendo la condición de extranjeros en tierras tapatias, Los Implantes tuvieron a bien ofrecernos unas palabras momentos antes de subir al escenario y brindar una actuación para recordar al lado de Becker y The Dandy Warhols como parte del elenco del Indie Bud Tour 2007.

Indie Rocks! Primero lo básico, ¿quiénes son Los Implantes y cuánto tiempo llevan tocando juntos?

Los Implantes. Los Implantes somos Pepillo en la guitarra y voz, José Ángel “Compi” en la batería, Joel “Chelio” en el teclado y Bernardo en el bajo.

Chelio. Llevamos cuatro años tocando, nos formamos en Monterrey bajo influencias muy diversas que traíamos cada uno y que dieron como resultado este grupo surfero- rockanrolero.

IR! La definición tradicional de un implante se refiere a la incorporación artificial de un objeto dentro de un cuerpo. Desde este punto de vista, ¿qué géneros le han implantado a su música?

Compi: Son variaciones de rock ‘n’ roll, desde el de los 60 hasta el rock de los 90 y principios del 2000. Es toda una amalgama de ritmos que dan como resultado el sonido de Los Implantes.

IR! El auge de internet ha favorecido el florecimiento de la música independiente, ¿hasta dónde creen que llegue esta tendencia?

Pepillo. Puede llegar muy lejos. En nuestro caso el myspace (www.myspace.com/losimplantestv) nos ha ayudado demasiado, y como el internet es cada vez más accesible, podría llegar a convertirse en el medio definitivo para que todo mundo te escuche.

IR! En relación a esto, ¿cuál es su postura ante las descargas digitales?

Ch. A favor. Sabemos que el disco está tendiendo a desaparecer y las descargas van a ser la nueva manera de tener canciones de tu grupo mientras estés pagando una cuota o incluso gratuitamente.
IR! Monterrey se ha convertido en una ciudad a seguir en cuanto a la producción de bandas independientes, ¿qué es lo mejor y lo peor de tocar en una ciudad asi?

P. Lo mejor es que existen varios lugares donde tocar. Lo malo es que hay demasiadas bandas, a tal grado que las fechas llegan a chocar y la gente debe tomar una decisión sobre qué banda prefiere ir a ver.

IR! Para muchos fans radicalizados, el hecho de que un festival indie sea patrocinado por una marca de cerveza como Budweiser podría representar una traición a sus principios, ¿qué piensan de este tipo de eventos?

P. Yo creo que no tiene nada que ver, porque aunque el movimiento se hace llamar independiente siempre terminas dependiendo de alguien. Como en este caso, en que una marca transnacional apoye la difusión del movimiento con estos grandes escenarios y los excelentes grupos que vienen a tocar.

Ch. Además está el asunto de la distribución. En el disco que edita el festival viene incluida nuestra rola y eso nos ayuda mucho.
IR! ¿Qué significa para ustedes tocar al lado de una banda como The Dandy Warhols?

B. Es un trampolín enorme, una oportunidad que no podíamos dejar pasar.

C. Nunca lo imaginamos. Cuando nos juntábamos a ensayar en una pequeña casa de Monterrey, jamás pensamos que estaríamos aquí en Guadalajara, abriéndole a una banda tan importante.

IR! ¿Qué es lo que la música de Los Implantes trata de comunicar a la gente?

P. En mi punto de vista, es diversión. Todas las canciones son muy alegres y la gente que nos ve siempre reacciona con movimientos extraños.

B. Nosotros siempre tratamos de hacer música pegajosa. En nuestras tocadas recurrimos a la chifladéz, a la libertad y al desenvolvimiento sobre el escenario. Nos gustaría que nos recordaran así, como una banda extrovertida.

Al término de la entrevista, Los Implantes brindaron una noche para recordar dentro del Indie Bud Tour 2007; hecho que no pasó desapercibido por los mismísimos Dandy Warhols, quienes invitaron a la banda a su backstage a tomar una cerveza y expresarles comentarios tan halagadores como el del baterista Brent De Boer: “¡Tocaron como The Beatles en la Caverna!”.

2008-01-05T20:22:00.000-08:00

Réplica
Entrevista con Marco Chávez

Por Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Enero 2008
de la revista Círculo Mix Up

En el universo de la foto grupal, el sentido de pertenencia es inversamente proporcional a lo raro que salga uno. Desde nuestro lugar asignado somos susceptibles a inmortalizarnos por méritos propios como el chaparrito, el gordo o el que salió con la boca abierta. Ante lo estridente de nuestras diferencias con el resto del mundo, todos en algún momento tendemos a caer en el lugar común de cuestionarnos: “¿Qué demonios hago yo aqui?”

Réplica es una banda mexicana que produce una música tan inusual, que es difícil asociarlos con cualquier otro grupo de la escena local. Para hablar del nuevo disco, de la influencia de la ciencia ficción y de ese feeling de sentirse ajeno hasta en su propia casa, Círculo Mix Up platicó con Marco Chávez, tecladista del grupo.

Réplica es el resultado de varios proyectos previos, pero para quien aún no los conoce ¿Cúal es la historia detrás del grupo?

Réplica surgió a partir de intereses mutuos de un grupo de amigos. Además de nuestro gusto por la música de Kraftwerk, New Order y Joy Division, también somos muy aficionados al cine de ciencia ficción, tanto, que en un principio la banda fue pensada para crear soundtracks instrumentales de películas que no existían. El nombre del grupo tiene mucho que ver con eso: además de la referencia obvia a los “Replicants” de la película Blade Runner, quisimos hacer un homenaje al disco “Replicas” de Gary Numan.

¿Cuando surge el grupo?

Cuando Erich Martino aún trabajaba en el proyecto Mongolia, ahi se unieron Leonardo Lambertini y Mario Ponce para armar las presentaciones en vivo y proponer sonidos nuevos, poco a poco se incluyeron más instrumentos con la incorporación de Humberto Polar en la guitarra, quien ya tenía una carrera consolidada como Dj y finalmente conmigo (Marco) en los teclados, la primera tocada del grupo como tal, fue en Febrero del 2004.

Hablando de ciencia ficción, muchos de los planteamientos muestran un panoramas en donde la tecnología va de la del caos. ¿Creen que la popularidad de grupos comoo Daft evidencía la decadencia de la música orgánica?

El futuro es muy incierto, de repente a la gente dejó de interesarle ver a 5 músicos en el escenario porque lo electrónico se puso otra vez de moda. Tal vez el éxito de Daft Punk y sus descendientes tenga que ver con los ciclos de la música, el asunto me recuerda una canción de LCD Soundsystem que habla de gente vendiendo sus guitarras eléctricas para comprar tornamesas. Nosotros respetamos mucho a Daft Punk porque representan la culminación del proyecto que inició Kraftwerk, y aunque es cierto que su música se basa en programaciones también tiene muchísimo mérito el transmitir tantas cosas a partir de elementos electrónicos, ahí te das cuenta de que el factor humano sigue siendo lo más importante.

¿Qué podemos esperar de este disco?

La ambición era hacer un disco conceptual que se escuché de manera lineal. Si escuchas 3 canciones por separado posiblemente no puedas entender la idea general del disco.
El concepto retoma nuestro interés por las películas de ciencia ficción, asi que hicimos este material de una forma similar al “Endtroducing” de Dj Shadow. Hay varios detalles escondidos que vale la pena descubrir, como el track número 3, un ruido que al ser visualizado en un espectógrafo revela un gráfico con el logo de la banda.

Para los críticos mas duros, el nombre del grupo podría ser paradójico dadas sus claras similitudes con Kraftwerk y Joy Division...

Todo se parece a algo que ya ha pasado. Toda propuesta es una réplica de algo que ya se ha hecho alguna vez, por eso tomamos la paradoja con buen humor. Preferimos rendirle tributo a nuestras influencias en lugar de esconderlas, la idea es que sea tan obvio que ya no lo sea.

¿Se sienten ajenos al formar parte de una escena musical dominada por grupos Indie?

No nos sentimos ajenos, ¡nos sentimos ajenísimos! no tenemos un publico definido y un día podemos estar tocando con Bengala y al día siguiente con Sonido Lasser. Nos ha costado mucho trabajo encontrar un nicho para tocar en México, porque ni encajamos en sitios de DJ’s ni en lugares 100% rockeros, desde que formamos Réplica, nunca hemos alternado con un grupo que sea parte de nuestro género.

¿Es por eso que el nuevo álbum esta enfocado a Europa?

Cuando alguien en México no entiende algo necesita que le vaya bien afuera para darse cuenta de que vale la pena, como en los casos de Nortec y Kinky. Además, esta el hecho de que Erich Martino se acaba de mudar a Helsinki, y Polar posiblemente también emigre a Berlin, lo cual nos abre buenas perspectivas para tocar con frecuencia en Europa.

Réplica
LONELINESS & CIVILIZATION
Noiselab 2007

2007-12-26T21:51:00.000-08:00

The Dandy Warhols
Entrevista con Brent DeBoer

Por Pedro Escobar

Entrevista publicada en el número de Diciembre 2007
de la revista Círculo Mix Up

Concebidos a medio camino entre grupos como The Velvet Underground y Ride, The Dandy Warhols son un referente obligado en la escena independiente de la costa Oeste de Estados Unidos, particularmente de Portland, ciudad que ha visto nacer en los últimos años a bandas del calibre de The Decemberists, The Shins y claro, Stephen Malkamus.

A propósito de su visita a Guadaljara como parte del elenco del Indie Bud Tour, Brent de Boer (Batería)) platicó con Círculo Mix Up acerca de su nuevo álbum, de su relación con The Decemberists y de la influencia del escritor Kurt Vonnegot en su trabajo.

¿Que te ha parecido México, Brent?

México es increíble, es la gente mas considerada y amable que he conocido. Realmente aún no conozco mucho del país, pero mañana haremos un recorrido por las instalaciones de Herradura aqui en Guadalajara. ¡Nos encanta el Tequila!

Ahora que su sencillo “My Friends” ha comenzado a sonar en la radio, nos preguntamos cómo sonará el próximo disco...

Serán doce canciones que encajarán con el sonido que esperan nuestros fans, aunque también habrá sorpresas de las que no quisiera hablar en este momento, ¡tienen que escucharlo! Posiblemente el disco este terminado para finales de este año.

Hay mucha influencia del recientemente fallecido Kurt Vonnegot en su trabajo, ¿cómo fue su relación con él?

Somos grandes admiradores de Kurt, hemos leido todos sus libros y el sentimiento detrás de la historia de “Welcome to The Monkey House” nos motivó a elegir ese nombre para nuestro cuarto disco.

Pero el asunto no únicamente tiene que ver con Vonnegot, el hecho es que grabamos un disco llamado “Dandy Warhols are sound” que no cumplió nuestras expectativas y que decidimos volver a grabar y producir. Fue muy decepcionante, pero al final valió la pena porque surgió un excelente disco al que decidimos llamar de esa forma pero que en cierto sentido es una versión re mezclada de aquel.

Foto: Adriano e-3

¿Llegaron a conocer personalmente a Vonnegot?

No, nunca lo conocimos y nos hubiera encantado hacerlo, enterarnos de su muerte entristeció muchísimo a la banda.

Hay una anécdota de que ustedes ayudaron a The Decemberists cuando su trailer de instrumentos fue robado en 2005...

Si, es verdad. Los Decemberists son asombrosos, me encantan sus discos y su manera de hacer música brillante e inteligente. Los he visto un par de veces y son geniales en vivo. Además son una banda de Portland, ¡nuestra ciudad!

2007-12-26T20:37:00.000-08:00

Indie Bud Tour 2007
Guadalajara, Jalisco
20 de Octubre 2007

Por Pedro Escobar

Reseña publicada en el número de Diciembre 2007
de la revista Indie Rocks!

Es medianoche de un sábado cualquiera en Guadalajara, las bellezas tapatias de amplio ver y breve vestir atiborran el gimnasio del centro escolar EDUCARE, que esta noche luce pletórico de entusiasmo juveníl gracias al ablandamiento progresivo suministrado por la marca patrocinadora del Indie Bud Tour 2007.

Cerveza y Rock and Roll, dos ingredientes elementales para reventar la noche circulan entre el público mientras la primer banda toma por asalto el escenario. Se trata de Los Implantes, agrupación originaria de Monterrey que sacude a la audiencia con su peculiar mezcla de indie rock, surf y garage que conecta directamente con los pies y el hemisferio izquierdo del cerebro.

Uniformados con camisa verde, corbata y gafas oscuras, la banda regia calienta la noche con su música divertida y sus bailes freneticos a lo largo del escenario. “Everything its allright”, “Too Late” y ”Her Boobs” tema incluido en la compilación oficial del Indie Bud Tour, fueron los cortes mas celebrados de su set antes de la primer sorpresa de la noche, “Bule Bule”, un cover al éxito de los sesentas que dejó bailando al respetable.

La siguiente banda en tocar fue un viejo conocido del público tapatio: Becker, banda nativa de Guadalajara con una larga trayectoria y reconocimiento en el circuito local que demostró que al menos en Jalisco, los de Becker son profetas en su tierra.

Temas como “Lejos” y “Para siempre” fueron bien recibidos por el publico, en especial la interpretación en vivo de “Cerca”, sencillo promocional de su EP “Andes’ que ya suena en la radio nacional y que dejó calientito el escenario del Indie bud Tour para el acto principal de la noche.

El plato fuerte de la noche llegó cuando The Dandy Warhols subieron al escenario. La banda de Portland tuvo un cálido recibimiento por parte de un público que se involucró con un set que transitó de lo introspectivo a lo incendiario. La noche abrió con temas como “You come in Burned” en donde Courtney Taylor-Taylor, demostró su maestría combinando sus obligaciones en la guitarra y voz principal con un magistral dominio de las percusiones, logrando comandar la nave en línea ascendente hacia los momentos mas álgidos, patrocinados por la guitarra deslizante de Peter Holmstrom en cortes como “Be In” y “We used to be friends”.

Foto: Adriano e-3

Los Warhols ofrecieron un set radicalmente superior en cuanto a intensidad y respuesta del publico con respecto a su show del viernes anterior en el Motorokr fest, lo cual fue evidente cuando comenzaron a sonar éxitos de su repertorio, desde “Ride” y “Boys Better” del álbum debút “Dandy’s Rule Ok” hasta los clásicos “You Were The last High” y We used to be friends” del “Welcome to the Monkey House”.

Para el cierre, los de Oregon reservaron un par de temas que literalmente pusieron a brincar al público: por cortesía de Brent De Boer sonó el primer redoble de batería de “Get Off”, tema obligado en cualquier show de The Dandy Warhols y que el publico acompañó con palmas y coros de principio a fin hasta que la guitarra de Courtney Taylor-Taylor entonó los primeros acordes de “Bohemian Like You”, la canción más representativa de la banda y que fue ampliamente celebrado por una audiencia que no dejó de brincar hasta el final de la canción, y de la tocada.

Foto: Adriano e-3

Al final, Zia McCabe -tecladista de la banda-, demostró que el entusiasmo de los tapatios fue bien correspondido por los Warhols al afirmar: “El show de esta noche es uno de los mejores en los que hemos tocado en lo que va del año!”.

En la audiencia, por supuesto, no hubo una sola alma que se atreviera a contradecir a la dama.

2007-12-11T15:02:00.000-08:00

Earlimart
Mentor Tormentor

Por Pedro Escobar

Reseña publicada en el número de Diciembre 2007
de la revista Círculo Mix Up

Earlimart es un proyecto de indie rock californiano que toma su nombre de un pequeño pueblo a las afueras de Los Ángeles. Al igual que este lugar alejado del bullicio, la música de Aaron Espinoza y Adriana Murray ofrece un respiro de rock accesible y sin pretenciones con su séptima placa.

"Mentor Tormentor" es un disco que explora diferentes escenarios emocionales sin llegar a perderse en la bipolaridad total. Son 15 tracks que lo mismo hablan de la soledad y la añoranza ("Happy Alone", "Nevermind the phonecalls" ) que de la ternura y la ilusión de un nuevo amor ("Gonna break into your heart" y "Nothing is true").

Aunque ningún tema desentona del resto, los mejores momentos llegan cuando las voces de Espinoza y Murray se complementan con la sutileza del piano y las guitarras acústicas en temas como "Bloody nose" y "Cold cold heaven" .

Al final, el disco opera como una granada de fragmentación que dispara esquirlas emocionales en torno al escucha, por lo que es casi imposible que alguien con un gramo de sensibilidad se salve de ser impactado por la belleza armónica de un disco que tiende a crecer conforme se escucha por segunda o tercera ocasión.

Earlimart
"Mentor Tormentor"
Majordomo
2007

Calificación: 9.0

2007-12-11T14:05:00.000-08:00

Band of Horses
“Cabalgando por los caminos del Rock.

Por Pedro Escobar

Reseña publicada en el número de Diciembre 2007
de la revista Círculo Mix Up

Extraños son los caminos del Rock, hace apenas unos años el simple hecho de mencionar a Johnny Cash o Neil Young como principal influencia de una banda hacia brotar salpullido a los seguidores a ultranza del rock alternativo.

Hoy en día, la internacionalización del género “Indie” ha hecho que lo “ecléctico” sea condición obligada en toda agrupación que se jacte de propositiva.

Band of Horses es uno de esos grupos que aprovecha las bondades del mestizaje musical para lograr un sonido propio. El proyecto formado por Ben Bridwell y Matt Brooke en 2005, homogeniza brillantemente generos anteriormente irreconciliables como el Rock clásico y el Country del sur de los Estados Unidos.

Basta escuchar un par de acordes de su música, para sorprender al fuereño desprevenido con una cabalgata de sensaciones brillantemente conducidas por la versátil voz de su líder Ben Bridwell. El falseto de su vocalista es el hilo conductor que entreteje su propuesta, pero es también el principal contrapeso en la carrera de Band Of Horses, debido a las enormes similitudes entre éste y el vocalista de My Morning Jacket, Jim James. Pese a todo, en 2006 la banda editó “Everything All The Time”, un primer largo que obtuvo un buen recibimiento en el circuito indie norteamericano.

Con su ingreso a las filas del prestigioso sello Sub Pop, la banda encontró el impulso necesario para recorrer con éxito la Unión Americana al lado de Iron & Wine y The Shins, pero no todo ha sido miel sobre hojuelas, y justo cuando el futuro parecia mas prometedor, el éxito del proyecto alterno de Matt Brooke (Grand Archives) originó que éste abandonara la banda a mediados del 2006.

Un año después, Ben Bridwell ha tomado las riendas de sus caballos y junto a Rob Hampton (guitarra) y Creighton Barrett (batería) ha editado “Cease to Begin”, un disco que pone en evidencia la afición del grupo por los títulos metafóricos y por las guitarras slide con tintes sureños.

La inspiración del álbum surge a partir del regreso del trio a Carolina del Sur luego de 8 años de residencia en Seattle, lo cuál explica que gran parte de las canciones irradien el sentimiento country que Johnny Cash definió tan bien en su libro “Autobiography”: “La música country es el sonido de la vida en el campo, es la voz de Dios que habla por medio del ritmo de la tierra y los ciclos de la naturaleza”.

Este concepto orgánico también es una constante en el arte de “Cease to Begin”, en la portada, el fotografo Christopher Wilson plasma dentro de una hermosa toma nocturna una abstracción de la bandera del estado de Carolina del Sur.

Cabalgar por el sonido de esta placa es iniciar un viaje músical que a veces se mueve como estampida intrumental y otras como el tranquilo trote de un caballo avanzando al compás de una delirante guitarra slide. Con apenas dos discos en su haber, Band of Horses sigue deslumbrando por su particular forma de hacer música llena de intensidad y eclecticismo.

Un delicioso rock sureño comienza a sonar con los primeros acordes de “Is There a Ghost”, la joya que abre prodigiosamente “Cease to Begin”, segunda producción del trio sureño, Band Of Horses.

El álbum es un recorrido por emociones que van de la desesperanza (“No one’s gonna love you”, “LRC”) pasando por el homenaje a un basketbolista de los Supersonics de Seattle (“Detlef Schrempf”) y hasta las armonías llenas de sentimiento Country (“Window Blues”, “Cigarettes, Wedding Bands”). La variedad de instrumentos de cuerda como guitarras slide, bajo y banjo, dan a este disco una dualidad tan sublime y terrenal como el arte de su portada: una noche en la que fulgura la luna en cuarto menguante sobre un lago.

Band of Horses ha creado un disco que se disfruta de principio a fin. Los 10 tracks que lo componen invitan a galopar por territorios musicales poco transitados, pero que valen mucho la pena explorar.

Band Of Horses
“Cease to Begin”
Subpop
2007

2007-11-23T14:43:00.000-08:00

M83
“Atmósferas espaciales”, “tesituras astrales”
o “comuniones cósmicas” you name it.

Por Pedro Escobar

Reseña publicada en el número de Noviembre 2007
de la revista Indie Rocks!

“Atmósferas espaciales”, “tesituras astrales” o “comuniones cósmicas” you name it. Cualquier figura poética le hace justicia a “Digital Shades Vol. 1”, la más reciente creación de Anthony González y su proyecto electrónico Indie M83.

No es casual que el nombre de esta banda haga mención a una galaxia, (“Messier 83”, ubicada a 15 millones de años luz de nuestro sistema solar) su sonido “cósmico” solo puede entenderse imaginando una mezcla entre las atmósferas electrónicas de Indochine y Jean-Michel Jarre con las vocalizaciones suaves y progresivas de Sigur Rós y Tangerine Dream.

Surgidos de las escuelas de ambient y electrónica francesa, las producciones de M83 se han distinguido por ofrecer materiales plagados de secuencias progresivas que incorporan teclados, metales y una buena cantidad de sintetizadores

Sobre este entendido, “Digital Shades Vol. 1” ofrece un cambio de velocidad respecto a los abruptos torrentes sónicos de sus placas anteriores. En este disco Anthony González suelta el acelerador y circula a velocidad crucero con canciones que mezclan sonidos orgánicos como torrentes de agua (“Waves, waves, waves”) y cantos de aves (“Strong and wasted”) con órganos espaciales de iglesia futurista (“My Own Strange Path”).

Al final, “Digital Shades Vol. 1” podría definirse como un disco introspectivo y en ocasiones difícil de digerir, pero que a pesar de todo no muerde. Solo hay que contar con la disposición necesaria para escuchar esta placa, que sin lugar a dudas, se disfruta mejor tumbado panza arriba, en una noche despejada y con muchas estrellas que observar en el cielo.

“Digital Shades Vol. 1”
M83
EMI
2007

2007-11-14T13:52:00.000-08:00

Roisin Murphy
La rubia inaugura la hora del pre-copeo

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Noviembre 2007
de la revista Círculo Mix Up

Después de la cerveza Guiness, el producto de mayor exportación en Irlanda son las cantantes Pop. Durante finales de los noventa, Dolores O‘ Riordan de The Cranberries, Andrea Jane Corr de The Corrs y Roisin Murphy de Moloko, dominaron la escena Pop británica al frente de sus respectivas bandas.

Al paso de los años, solo Roisin ha logrado consolidar una brillante carrera en solitario en el Reino Unido tras el lanzamiento de su celebrado álbum debut “Ruby Blue” (2005). Dos años después, la dublinesa nos ofrece un pequeño aperitivo antes del lanzamiento de su segundo álbum. Se trata de “Overpowered”, un delicioso EP en el que Djs de la talla de Seamus Haji, Kris Menace y Loose Cannons se lucen remezclando el sencillo que da titulo al disco en versiones que van desde la electrónica más ecléctica, hasta el dance pop francamente fiestero.

“Overpowered” cumple su cometido de calentar motores y generar expectativas sobre el siguiente álbum de Roisin, el cual debe de estar ya por salir bajo la producción del experimentado Tom Elmhirst (Amy Winehouse, Röyksopp) y que contará con la colaboración de artistas como Groove Armada.

“Overpowered” Roisin Murphy
EMI
2007

2007-10-16T13:51:00.000-07:00

UNKLE
Realidad mata Ficción

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Octubre 2007
de la revista Indie-Rocks!

El problema con la ciencia ficción es que resulta mucho mas creíble cuando nos plantea sus bondades tecnológicas dentro de un entorno sumamente jodido.

No es casual que los escenarios futuristas planteados por escritores como Phillip K. Dick (Blade Runner, Minority Report) nos resulten mucho más verosímiles que los de Star Wars solo por el hecho de que su entorno nos resulta familiar a las condiciones caóticas del mundo actual. El futuro será apocalíptico o no será.

En estos tiempos ya nadie compra la idea de que el futuro pueda ser un lugar mejor para vivir. Cada esfuerzo que se hace por mejorar el planeta va acompañado de cien más por exterminarlo. Lo cual nos deja mirando angustiosamente los minutos que nos quedan antes de que la bomba estalle en nuestras manos.

Este sentimiento de incertidumbre se aborda en el video de “Burn My Shadow”, primer sencillo del nuevo disco de U.N.K.L.E. : “War Stories”, editado por el sello indie Mo' Wax Records.

En el video dirigido por Miguel Sapochnik, un hombre despierta después de una larga noche de farra con un reloj en cuenta regresiva pegado a su pecho, conforme avanzan los segundos, el protagonista trata desesperadamente de entender las causas que lo llevaron a esa situación, sin darse cuenta de que en esos momentos vale mas apelar al instinto de sobrevivencia que al pensamiento racional.

La analogía que hace esta escena Kafkiana, empata a la perfección con la situación actual del planeta, en donde el miedo y la incertidumbre son lugares comunes que se abordan a lo largo de 14 tracks que integran el regreso de James Lavelle al frente del colectivo de electro rock U.N.K.L.E.

A 4 años de distancia de “Never, Never Land” y a casi diez de su aclamado debút “Psyence Fiction”, James Lavelle toma una vez más las riendas de el proyecto que inició en 1998 al lado de Dj Shadow, y que ha logrado reunir a colaboradores de la talla de Thom Yorke, Richard Ashcroft, Ian Brown y Gavin Clarke a lo largo de casi una década.

En “War Stories”, los colaboradores que acompañan a Lavelle no le piden nada a las alineaciones anteriores. Basta nombrar a Ian Atsbury de The Cult en “Burn My Shadow” y “When Things Explode”, a Josh Homme de Queens Of The Stone Age en “Restless” y a 3D de Massive Attack en “Twilight” para darnos una idea del calibre de esta producción.

La innovadora fusión de electrónica, hip hop, y rock experimental que le valió a U.N.K.L.E. el reconocimiento generalizado por parte de la critica musical en su primer álbum, está de vuelta con “War Stories”, una placa que a diferencia de sus predecesoras ofrece al escucha un sonido más digerible y con buen balance entre las bases rítmicas generadas a partir de percusiones orgánicas y beats generados con sampleos y programaciones digitales.

La música de U.N.K.L.E. permanece tan vigente como hace diez años a pesar de sus múltiples detractores y de gozar de un status parecido al del video teléfono: Aquel elemento futurista de película de ciencia ficción, y cuyo uso hemos desdeñado en favor de seguir hablando desde el anonimato que da la línea telefónica, donde podemos ocultar los rostros sin maquillaje y la cara de desvelado.

Pero... ¿Quién tiene tiempo para mirar a los ojos y hablar de cosas reales cuando el fin del mundo está a la vuelta de la esquina?

2007-10-09T17:38:00.000-07:00

Hard - Fi
Básicos, bailables y provocadores

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Octubre 2007
de la revista Círculo Mix Up

La pregunta obligada en todas las conferencias de prensa que ofrezca Hard Fi en adelante, inevitablemente será: ¿Qué diablos pasó con la portada? Y es que un recuadro amarillo con la palabra “No cover art” deja muchas preguntas con respecto a Once Upon a Time in the West, el segundo largo de la banda nativa de Staines, Inglaterra.

Pero si alguien esperaba que fuera algún tema de fondo la motivación del grupo para elegir una portada tan “provocadora”, seguramente se verá decepcionado con las razones que Richard Archer (cantante y líder de la banda) ha dado acerca de este minimalismo estético: "Quisimos romper las reglas. Las portadas solían darle dimensión a un álbum pero este concepto está limitándose a ser un pequeño cuadrito que aparece en la pantalla del iPod. No necesitamos una foto de la banda en portada sólo porque la gente lo espera… ¡Al carajo! este negocio se trata únicamente de la música".

No es casual que tales declaraciones hayan despertado el instinto asesino de una prensa británica acostumbrada a construir ídolos para después hacerlos pedacitos. Y es que después de varias décadas destinadas a tocar temas de fondo a través de las portadas, sale a colación una pregunta: ¿De verdad necesitaban ponerse de a pechito ante los críticos con una portada que sólo maquilla su posición en contra de las descargas digitales?

Afortunadamente, Once Upon a Time in the West no sólo retoma el nombre y la actitud retadora del western clásico de Sergio Leone, sino también la puntería de Hard Fi para disparar un arsenal de líneas armónicas bien colocadas y su prodigiosa habilidad para crear coros contagiosos que hicieron de su álbum anterior, Stars of CCTV, un éxito comercial de cerca de un millón y medio de copias vendidas.

Hard Fi irrumpió en 2005 con un post punk influenciado por The Clash y The Jam, el cual tuvo su punto mas álgido gracias al éxito de un par de sencillos (“Hard to beat” y “Cash machine”) que apuntalaron el éxito de un material dedicado a narrar la vida en los custodiados suburbios londinenses.

Dos años después, los de Staines regresan con un álbum cuya temática gira en torno al coraje de la clase obrera para vencer las adversidades, los desengaños amorosos y el culto a los dioses contemporáneos como la televisión.

Y aunque la profundidad temática no es el fuerte de la banda, Once Upon a Time in the West es un espléndido exponente del rock básico que Ross Phillips (guitarra), Kai Stephens (bajo), Steve Kemp (percusiones) y Richard Archer (voz y guitarra) dominan gracias a sus exploraciones rítmicas que van desde el post punk hasta el rhythm & blues y un brit pop que nos recuerda lo mejor de Oasis.

Los adornos sonoros corren por cuenta del productor Wolsey White, quien ha puesto especial cuidado en depurar los arreglos de metales y las instrumentaciones de cuerdas y piano.

Al final, Once Upon… ofrece un balance positivo. Se trata de un álbum que se deja escuchar de ida y vuelta, gracias a un agradable manejo de líneas corales que al paso de los tracks van ganando la condición de un divertido “placer culpable” para quien gusta de cantar en el coche o mientras camina con su iPod.

Hard Fi
Once Upon a Time in the West
Warner, 2007

2007-09-21T07:54:00.000-07:00

Battles
Su Batalla apenas comienza.

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Septiembre 2007
de la revista Indie Rocks!

Mientras que para Sir Winston Churchill, el caracter moral de una batalla implica el no dejarse vencer a pesar de las adversidades, para Sun - Tzu, -autor de “El Arte de la Guerra”- una batalla implica el enfrentar estrategias para provocar la pifia del contrincante.

En términos musicales, los verdaderos privilegiados en la batalla que un músico emprende contra el silencio, son quienes se limitan a observar el espectáculo. Desde este punto de vista, el cuarteto Neoyorkino Battles, no pudo haber escogido un mejor nombre.

La música de Battles es un campo de batalla lleno de percusiones explosivas, torrentes de secuencias bailables y vocalizaciones distorsionadas que conectan con los pies, las visceras y el hemisferio izquierdo del cerebro.

Como si se tratara de una “fuerza de elité” integrada para conquistar nuevos territorios, la alineación de la banda se conforma por el ex baterista de Helmet (John Stainer), los ex guitarristas de Don Caballero (Ian Williams) y Lynx (Dave Kanopka) y el hijo de la leyenda del Jazz, Anthony Braxton (Tyonday Braxton) en las vocales y teclados.

Firmados por el prestigiado sello Warp en 2006, Battles se ha convertido en muy poco tiempo en uno de los proyectos Indies mas prolíficos en la escena norteamericana. La música que producen es una extraña mezcla de riffs poderosos y líneas armónicas complejas que el grupo define como Rock Matemático - ¡Chin! ¡y ustedes que pensaron que escuchando rock se iban a escapar del álgebra y la geometría analítica!-.

El Math Rock de Battles, forma parte de un movimiento construido en Japón y Estados Unidos en la década de los noventa a partir de de la vieja escuela del rock progresivo. Los grupos más representativos del Math Rock actual (Faraquet, Circus Lupus y Battles) basan su música en transmitir al escucha en un cúmulo de sensaciones desenvueltas mediante líneas rítmicas bailables, cambios de tiempo abruptos y una insólita fiereza de riffs de guitarra bien colocados.

La habilidad de Battles para crear atmósferas cargadas de instrumentaciones alucinantes no ha sido ajena a los reflectores de la prensa musical, particularmente de la británica, quienes ya destacan al grupo como una de las bandas a seguir en los próximos años.

A pesar de tener 4 años juntos, no es hasta este 2007 que Battles edita “Mirrored”, primer largo de la banda producido bajo el sello Warp. Un material que en palabras de Tyondai Braxton “se demoró tanto en salir porque nos mantuvimos tocando como locos. Queriamos que la gente entendiera nuestra música para así poder elegir las canciones que integrarían el álbum”.

Y es que si de algo puede presumir Braxton, es que su banda produce uno de los actos en vivo mas alucinantes de la actualidad. Cada presentación de Battles es un derroche de virtuosismo de los guitarristas Ian Williams y Dave Kanopka, que se lucen tocando a dos manos teclados y guitarras, mientras John Stainer le pega a la batería como degenerado y Tyondey Braxton dirige a la banda con sus perturbadoras vocalizaciones.

A lo largo de 4 años, la banda ha llevado su bombardeo sonoro a recorrer los circuitos independientes mas importantes de Europa, Japón y gran parte de la unión americana por lo que es muy probable que la gira de promoción de “Mirrored” llegue a nuestro país en fechas proximas.

Pero el despliegue experimental de Battles no es exclusivo de su música. El video de “Atlas” -dirigido por Tim Saccetti- es un reflejo de las ecuaciones rítmicas de los musicos, quienes aparecen tocando dentro de un gran cubo cubierto de espejos y que gira inmerso en un limbo negro como si se tratara de una escena de la película “El Cubo”.

Aunque su música tiene la entrada fácil gracias a sus poderosas líneas rítmicas, es justo decir que el verdadero potencial de la banda solo se percibe cuando se escucha a profundidad cada una de sus composiciones. A la par de los instrumentos, la voz de Tyonday Braxton opera como una caja de ritmos humana que desintegra los espectros sonoros de las canciones en composiciones de una complejidad deslumbrante.

Battles es parte de una nueva generación de músicos que retoman las atmósferas experimentales de bandas de rock progresivo como IQ o King Crimson, adaptandolas con exactitud matemática a los recursos tecnológicos de la era del microchip.

Sin temor a caer en falsas afirmaciones, hay pocas bandas que rivalizan con la calidad y frescura de Battles. Aunque su batalla por destacar en la escena musical apenas inicia, definitivamente habrá que ponerles un ojo encima, porque seguramente seguirán dando mucho de que hablar.

2007-09-11T07:47:00.000-07:00

Manu Chao
Resistencia en Amplitud Modulada.

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Septiembre 2007
de la revista Círculo Mix Up

Cuando se maneja de noche en carretera ocurre un fenómeno muy particular: el radio parece jugar a la ruleta rusa y entre estática e interferencia comienza a captar sonidos de la más diversa índole: desde fragmentos de una conversación hasta alguna canción de The Clash entremezclada con “El son de la negra”.

Esta especie de pirinola musical ha sido refinada a través de los años por José Manuel Tomás Chao (Manu, para los cuates), hasta el punto de convertirla en un estilo propio con patrones recurrentes como la mezcla de idiomas, el uso de sonidos cotidianos, las consignas de protesta o las voces de distintas latitudes unidas por una misma temática: conservar la esperanza ante un mundo cada vez más caótico.

El artista más emblemático del mestizaje canta en inglés, francés, español, árabe, portugués y catalán, con la soltura que le da el saberse un producto de la diversidad cultural. Manu nació en Francia hace 46 años y su familia es de Galicia, aunque ha pasado gran parte de su vida viajando por África, Europa y Sudamérica.

Con ayuda del Radio Bemba Sound System –el colectivo de músicos y artistas que lo acompaña en sus viajes desde 1995– ha documentando una gran cantidad de vivencias y fotos sonoras que sirvieron de inspiración para Clandestino (1998) y Próxima Estación: Esperanza (2001), placas que recogen las ilusiones, frustraciones, alegrías y tristezas de la gente que el ex-líder de Mano Negra ha conocido al lado del camino y que ha sabido transformar en consignas de denuncia social y política en favor de mejores condiciones de vida para los países tercermundistas.

Pero el compromiso político va mas allá del discurso. En 1998, gran parte de las regalías que generaron las cerca de 3 millones de copias vendidas de Clandestino, fueron donadas a comunidades zapatistas en Chiapas y a diversas organizaciones altruistas en Sudamérica. Fiel a sus principios, Manu se ha declarado abiertamente a favor de los movimientos altermundistas desde una perspectiva de rebeldía pacífica.

Gracias a este carácter de su obra, los medios le han catalogado como un líder de opinión del que hay que estar pendiente acerca de cada cosa que dice y hace. Asunto que maneja con cautela cuando declara: Hay responsabilidades que asumes totalmente. Si eres padre tienes responsabilidad con tus hijos, pero cuando hacen de ti un personaje político que tiene que opinar sobre esto y aquello, sabes que mucha gente se lo va a tragar porque lo dice Manu Chao y ésa es mucha responsabilidad.

Enfrentado a la eterna relación de poder y responsabilidad, Manu sobrelleva los conflictos existenciales de Spider-Man combinando sus obligaciones de padre (tiene un hijo de 8 años), con el poder que le da ser una de las figuras latinas con mayor credibilidad en Europa y América Latina.

A dos años de distancia, desde el disco en directo Radio Bemba Sound System (2002), y seis de su última producción de estudio, el francés regresa con La Radiolina. Un disco en cuya portada aparece la pregunta que todos nos hacemos ante el curso que están tomando las cosas en el planeta: “¿Y ahora que?”.

Mensajes del tipo "demasiada hipocresía en Palestina" y "este mundo se vuelve loco" se escuchan a lo largo de esta nueva entrega que critica fuertemente la guerra con Irak y las políticas económicas del gobierno del presidente George W. Bush.

Aunque la esperanza de Manu aún no se ha convertido en desesperación, es evidente que no es ajeno a los efectos caóticos de la globalización que reinan en todo el mundo. Es por eso que la pregunta en Amplitud Modulada de La Radiolina no es si hay o no solución, sino cómo organizarnos para hacer algo al respecto.

2007-08-24T15:50:00.001-07:00

The Photo Atlas
El secreto mejor guardado de Denver, Colorado.

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Agosto 2007 de la revista Indie-Rocks!

El sello Neoyorkino Stolen Transmission Records nos presenta su fichaje estrella del 2007: The Photo Atlas, uno de los actos Indie mas estridentes en lo que va de la década.

The Photo Atlas es el secreto mejor guardado de Denver, Colorado. Su música combina con puntería de goleador brasileño la intensidad Punk de At The Drive In con la cadencia rítmica de Hot Hot Heat! y The Rapture en una peculiar mezcla de dance punk que invita a bailar y hacer headbanging al mismo tiempo.

El potencial de “Crack” de la banda de Alan Andrews (voz y guitarra), Bill Threlkeld (guitarra), Mark Hawkins (bajo) y Devon Shirley (percusiones) no ha pasado desapercibido para la crítica especializada, que ya los señala como uno de los grupos a seguir, destacando sus actos en vivo como los más frenéticos en la escena Indie Norteamericana.

En sus inicios, la historia de The Photo Atlas pudo haber sido la de cualquier banda punk en Colorado: 4 amigos se conocen en la escuela, comparten gustos musicales y deciden conectar sus instrumentos a un volumen tan elevado que haría palidecer a cualquier Jet.

Por fortuna, su música es mucho mas que guitarrazos freneticos. El sonido de The Photo Atlas domina la estampida cadenciosa, la transfusión de ritmos bailables a una base de riffs transgresores que provocan de manera orgánica. Su actitud desenfadada, su vestimenta extrafolaria y la explosividad que imprimen sobre el escenario los hizo firmar con Stolen Transmission Records, sello bajo el cuál editan este 2007 su primer material.

“No, not me, never” es un compilado de 10 tracks llenos de adrenalina y compulsivos riffs de guitarra sobre un torrente de percusiones lúdicas. Tracks como “Handshake Heart Attack” y “She Was a Matador” ponen en evidencia su capacidad de sincronización armónica y su talento para conducir la fiereza del punk hacia las pistas de baile.

Los actos en vivo de The Photo Atlas como teloneros de The Bravery y Alkaline Trio han despertado un gran interés por parte de los promotores norteamericanos. De hecho, ya se menciona su nombre como una de las probables cartas fuertes para integrar el cartél del “Warped Tour” de este año, gira patrocinada por la prestigiosa marca de calzado Vans que cada verano recorre la Unión Americana promoviendo a las bandas más explosivas del circuito Indie.

Pero el mérito de los de Colorado va mas allá de sus ocurrencias sobre el escenario. Bailables y explosivos por igual, su música aún está libre de los parámetros de la industria y en pleno proceso de encontrar su identidad músical, lo cuál al parecer no le ha caido muy en gracia a los amantes de la etiqueta, quienes aún deben de preguntarse como diablos catalogar su música.

¿Podrá The Photo Atlas heredar las legiones de fans de At The Drive In y convertirse en un digno contendiente del territorio que hoy domina The Rapture? Solo el tiempo lo dirá, lo que si es un hecho es que habrá que ponerle un ojo a la carrera de esta banda, porque seguramente en proximas fechas dará mucho de que hablar. Luego no digan que no les avisamos, ¡eh!

“No, Not me, Never!”
The Photo Atlas
Stolen Transmission Records
2007

2007-08-08T08:21:00.000-07:00

Black Rebel Motorcycle Club
Regresan recargados

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Agosto 2007 de la revista Círculo Mix Up

Riffs de guitarras emulando a furiosos escapes de motocicleta, percusiones que operan como pistones de alto octanaje y una poderosa voz nasal dirigiendo los destinos de la maquinaria articulan el regreso recargado de Black Rebel Motorcycle Club.

La banda que fusionó los decibeles con los caballos de fuerza regresa luego de dos años de ausencia con un material que marca su regreso al garage rock que los puso en el mapa con sus dos primeras placas: “Black Rebel Motorcycle Club” (2000) y “Take Them On Your Own” (2004).

Luego de dos producciones con claras influencias de The Jesus and Mary Chain y Ride, el grupo parecía destinado a estancarse en la corriente New Garage que ellos mismos liderearon, pero con la llegada de su tercer álbum, “Howl” (2005) lograron evolucionar hacia un sonido con marcadas influencias de Folk, Blues y country.

Y aunque “Howl” resultó un éxito para la crítica especializada, la adicción a los decibeles de Peter Hayes (guitarra y voz), Robert Levon Been (bajo y vocales) y Nick Jaggo (percusiones) pudo mas que la épica acústica y este 2007, el trio californiano vuelve con “Baby 81”.

“Baby 81” toma su nombre de los trágicos eventos de Diciembre de 2006, cuando un Tsunami azotó el Oceáno Índico, devastando las costas de Sri Lanka. Fue ahí dónde el caso de un bebé arrancado de los brazos de su madre se convirtió en un simbolo de supervivencia para las victimas del Tsunami. Milagrosamente el pequeño fue encontrado días después en el hospital de Kalmundi bajo el pseudónimo de “Bebé 81”, por ser el infante número 81 en ingresar en calidad de sobreviviente y por carecer del mas mínimo nexo de identidad con las 9 parejas que lo reclamaban a las afueras del lugar.”

Basta ver los títulos de las canciones para darse cuenta que la fiereza está de regreso en en este nuevo álbum: “All You Do Is Talk”. “666 Conducer”, “Weapon Of Choice” y “Berlin” son un reencuentro con los ritmos clásicos de la banda, y con la batería de Nick Jaggo quien regresa luego de estar ausente durante todo el proceso creativo de “Howl” por problemas con las drogas.

Aunque Baby 81 es un buen disco, no faltará quien acuse a Black Rebel Motorcycle Club de no proponer nada nuevo o de pretender regresar a un pasado sobre explotado.
Pero ¿que mas dá? a veces es bueno recibir justo lo que se espera de una banda, y si lo que se busca son guitarras poderosas y bases rítmicas bien colocadas, este disco no desilusionará a nadie. “Es solo rock and roll, pero me gusta”.

El álbum abre con “Took Out of A Loan”, corte que deja escapar un torrente de riffs galopantes surgidos de un bar a la mitad de la carretera. En “Berlin” y “Weapon of Choice” las lineas corales de Robert Levon Been, soportan la voz de un Peter Hayes que canta como no lo ha hecho en años.

Corazones rotos, supervivencia al desamor y la crítica política son los temas alrededor de los que gira “Baby 81”, un disco que sin dejar de ser fiel a su esencia rockera, se da tiempo para proponer composiciones acústicas en temas como “Not What you Wanted” y “Am I Only”.

Pero los motociclistas también tienen su corazoncito, y es en los momentos románticos cuando son más vulnerables. En “Window” se apela a la fibra sensible valiéndose de un piano que recuerda sospechosamente a Oasis.

Al final “Baby 81” obtiene buenas cuentas gracias a un buen balance entre ruido y armonía que hace que el disco se deje escuchar a lo largo de 13 tracks. Black Rebel Motorcycle Club no pasará a la historia con esté disco, pero sin duda ha creado el soundtrack perfecto para manejar de noche en carretera.

“Baby81”
Black Rebel Motorcycle Club
RCA
2007

2007-07-11T11:10:00.000-07:00

The White Stripes
Más fuertes que nunca

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Julio 2007 de la revista Círculo Mix Up

Después de los autos Ford, los White Stripes son el producto más demandado de la ciudad de Detroit pese a que la singular banda ha grabado en Nashville sus últimos cuatro discos, alegando que Jack White siempre ha considerado haber nacido en la ciudad equivocada.

Cuando en 1997, White decidió abandonar la banda Goober and the Peas –en la que tocaba la batería– para formar junto a Meg un proyecto de garage rock influenciado por ritmos nativos de Tennesee y por grupos locales como The Stooges y MC5, seguramente no imaginó las dimensiones que éste alcanzaría, pero sí dejó en claro que su música sería arquetípica o no sería.

El sello característico de The White Stripes es la estampida que Jack libera a voluntad, valiéndose de trucos básicos de la guitarra como la distorsión, el feedback y los riffs sucios.

Pero su presencia no se limita a las cualidades que posee como virtuoso de las seis cuerdas. Además de componer y producir, el hombre carga con el peso de la banda sobre el escenario, y aún cuando en los dos últimos discos Meg ha cobrado una presencia más notoria, su principal virtud sigue siendo saber cuándo dejar de tocar para permitir que Jack se luzca.

Tras un 2005 muy agitado en el que el disco Get Behind Me Satan enfrentó la difícil prueba de superar a su antecesor Elephant (2003), el dúo hizo una pausa para que Jack se estrenara como padre al lado de su esposa, la súper modelo Karen Elson, y fundara a los aclamados Raconteurs. Pero justo cuando el panorama parecía por demás incierto para los White, éstos vuelven para cumplir su promesa de que su sexto álbum sonaría más pesado que nunca.

A diferencia de Get Behind Me Satan, donde las marimbas y el piano ponían el sazón, en Icky Thumb son las gaitas escocesas, los sintetizadores análogos y las trompetas de mariachi las que marcan el rumbo.

Con Icky Thump, The White Stripes celebran diez años de carrera como una de las bandas más prolíficas de nuestros tiempos. Jack atraviesa por un gran momento, y aunque no se cansa de afirmar que éste no será el último disco del dúo, sólo el tiempo dirá si es posible la convivencia armónica entre ellos y The Racounters, quienes ya preparan un segundo álbum.

La música en “Icky Thump” es tan salvaje que pone en duda si de verdad Jack White se encomienda al maligno a la hora de hacer música. En la canción que da nombre al disco, un delirante sintetizador análogo Univox de 1946 contrasta con las guitarras grasosas que se mantienen la mayor parte del disco.

El disco suena mas pesado, pero al mismo tiempo sigue dandole vuelta a una gran variedad de ritmos para servir a suss própositos narrativos. Desde las alegorías celtas y las gaitas en “St. Andrew (This Battle Is In The Air)”, pasando por las trompetas de Mariachi en “Conquest”, hasta las guitarras a la John Lee Hooker en la genial “Catch Hell Blues” la esencia ecléctica sale a relucir.

En “Rag and Bone” la presencia de Meg cobra fuerza sobre una guitarra que recuerda a Led Zeppelin. Mención aparte merece “A Martyr For My Love For you”, corte en el que Jack ventila sus tormentos románticos de forma deliciosa.

“Icky Thump” es un álbum poderoso, de esos que te motivan a levantarte del asiento para subirle dos rayitas al volúmen.

Heavens: Música para dejarse llevar...

2007-06-25T16:30:00.000-07:00

Heavens

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número de Junio - Julio 2007 de la revista Indie-Rocks!

¿Cuando fue la última vez que subiste a un Taxi confiando ciegamente en la pericia del conductor para llevarte a tu destino? No conocías el trayecto, no tenías idea de por donde ibas, pero de alguna forma los paisajes que aparecian en la ventanilla te hicieron saber que ibas al lugar correcto.

En ocasiones, tenemos sentimientos que no podemos expresar con palabras hasta que escuchamos una canción que conecta completamente con nuestro estado de ánimo, entonces solo nos queda decir: “esa canción describe perfectamente lo que siento”.

Heavens es una de esas bandas especializadas en sintetizar sentimientos y hacerlos canción. El dúo integrado por Matt Skitba (ex Alkaline Trio) Y Josiah Steinbrick (ex Flowers Of Doom) son un par de experimentados conductores en el arte de llevarte de viaje por los paisajes sonoros que trabajan en función de sus propósitos líricos.

Los temas de sus canciones van del amor al desamor y del dolor a la muerte, este último, tema recurrente en su música y que tiende a profundisarze con atinadas figuras poéticas que invitan a la reflexión y dejan claro el potencial de la banda.

Con el lanzamiento en 2006 de su álbum “Patent Pending”, editado bajo el sello Epitaph, Heavens ha comenzado a llamar la atención de la escena Indie y la critica especializada, la cuál ya compara su música con el sonido de bandas como Joy Division, Wire y Brian Eno.

La música de Heavens es una invitación para dejarse llevar por la belleza de sus líneas melódicas y conectar con la profundidad de sus canciones. Después de todo, el arte no es propiedad de quien lo produce, sino de quien lo necesita.

Pop Introspectivo para todo público

2007-06-08T15:48:00.000-07:00

Reseña publicada en el número de Junio de la revista Círculo Mix Up

“Out of the Woods” es la evolución musical de Tracey Thorn luego de 15 años de carrera al lado de Ben Watt y Everything But The Girl.

Conforme avanzan los tracks, el crecimiento musical es evidente. Desde las atmósferas Chill Out de “A-Z” y “Easy”, hasta las optimistas “Raise Off The Roof” y “Get Around to It” (corte en el que destaca el Sax de Gabriel Andruzzi de The Rapture como invitado especial) Thorn se muestra decidida a sacar sus letras de las pistas de baile y llevarlas hacia terrenos mucho mas introspectivos.

La diversidad temática y los diferentes matices musicales en “Out of The Woods” son lo suficientemente amplios como para satisfacer a cualquier detractor. El álbum es fresco, Y muy agradable. A menos de que ocurra algo espectacular, me da la impresión de que estamos ante uno de los mejores discos pop del año.

Tracey Thorn
“Out Of the Woods”
Virgin 2007

Música “ad hoc” para días nublados

2007-05-15T07:48:00.000-07:00

Reseña publicada en el número de Mayo-Junio de la revista Chakota Mag

¿Autocomplacencia o humildad? Para emitir un juicio hay que echar un vistazo a la carrera de John Mayer luego de dos álbums que lo proyectaron como el ídolo Pop que las adolescentes gringas habían estado esperando.

Y es que al parecer el glamour Pop no le fue suficiente al nativo de Atlanta, ya que en 2005 decidió alejarse de su zona de confort y embarcarse en un proyecto de Blues: “The John Mayer Trio”, con quienes grabó un aclamado disco en directo.

Del fruto de sus aproximaciones con el blues y el funk surgió “Continuum”, un álbum que se aleja de la balada fácil y propone un sonido que cultiva las bases rítmicas de Eric Clapton y las atmósferas guitarrísticas de Jimmy Hendrix. De este último, Mayer incluye un cover de “Bold as Love”, uno de los temas destacados -junto con “Vultures” y “Gravity”- como los mejores momentos del disco.

“Continuum” es el material mas sólido de Mayer a la fecha, un trabajo que denota su crecimiento como compositor y que recrea atmósferas meláncolicas “ad hoc” para esos días nublados, esos en que se antoja decir: “I'm Gonna Find Another You”.

John Mayer
“Continuum”
Sony BMG
2006

Crystal Castles o la persistencia de la memoria

2007-05-11T21:19:00.000-07:00

Crystal Castles o la persistencia de la memoria

por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número 11 de la revista Indie-Rocks!

En algún momento todos nos hemos enfrentado a la difícil tarea de limpiar nuestra habitación. De entre el polvo y los montones de basura que van brotando de los cajones, a menudo surgen objetos que ya dabamos por perdidos.

Materializados en un dibujo, algún cassette que grabamos o el cartucho de Nintendo que nos hizo pasar horas frente al televisor, los recuerdos se nos aparecen para recordarnos quienes fuimos en otro tiempo.

Al parecer de uno de esos encuentros afortunados surgió la música de Crystal Castles; proyecto de música eléctronica alternativa fundado en Toronto, Canada y que toma su nombre de un popular videojuego de Atari.

La música de estos Canadienses es un alucine que lleva lo mejor y lo peor del sonido ochentero a las pista de baile. Mezcla de MIDIS, sampleos de sonidos de 8 Bits y lineas vocales distorsionadas, su sonido hace pensar al escucha que es una consola Atari quien maneja las tornamesas.

La originalidad de su propuesta ha comenzado a ganar fuerza en la escena Indie norteamericana, y aunque aún no han sido firmados, la difusión de su EP “Alice Practice” que incluye temas propios y algunos remixes de bandas como The Klaxons ha circulado en la red con un éxito rotundo.

Maxïmo Park: Vivir para presumir las cicatrices

2007-05-08T09:40:00.000-07:00

Maxïmo Park: Vivir para presumir las cicatrices

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en la revista Círculo Mix Up correspondiente al mes de Mayo de 2007.

La vida se vive hacia adelante, pero sólo puede entenderse hacia atrás.
Para Maxïmo Park, el protagonizar una rivalidad mediática con bandas contemporáneas como Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs y Bloc Party como líderes de una nueva generación de bandas inglesas sentó un difícil precedente que han sabido sobrellevar con ironía.

En 2005 su mezcla de Post Punk y New Wave sorprendió a la escena musical británica cuando "A certain Trigger" –disco debút de la banda – ganó una considerable base de fans a base de violentos riffs de guitarra (con marcadas influencias de The Smiths ) y temáticas inspiradas en torno a lo mejor y lo peor de crecer en los suburbios de una ciudad como Newcastle.

Inglaterra es un pais con una seria división de clases que tiende a mitificar a héroes de la clase obrera. Al parecer sólo tiene mérito la música producida por quien ha sufrido mas, por esta razón, muchas bandas con formación universitaria como Maxïmo Park, surgieron bajo el escrutinio del ojo crítico de la flématica prensa inglesa.

Dos años después, la banda integrada por Paul Smith (compositor y cantante), Duncan Lloyd (guitarra), Archis Tiku (bajo), Lukas Wooller (teclado) y Tom English (percusiones) enfrenta la espeluznante "prueba del segundo álbum" con un material que desde el nombre evidencía una fijación por los paleativos para sobrellevar los sinsabores de la vida: "Our Earthly Pleasures".

Para Paul Smith, el sonido de este disco está a medio camino entre The Smiths y The Smashing Pumpkins, afirmación que parece descabellada, pero que no lo es tanto si consideramos la ambición de Maxïmo Park por pisar elacelerador y perfeccionar su estilo con un productor de alto octanaje: Gil Norton, quien anteriormente ha trabajado para The Pixies y Foo Fighters.

El subidón de revoluciones es evidente en temas como "Girls Who Play Guitars" y "Our Velocity", primer sencillo del álbum, que deja satisfechos a quienes esperaban una nueva dosis de los furiosos riffs de Duncan lloyd y de las vertiginosas líneas rítmicas del teclado de Lukas Wooller.

El disco mantiene las mismas temática del álbum anterior: Decepciones amorosas, ironía, y un instinto de sobrevivencia expresado a guitarrazo limpio.

Pero hay mas tela de donde cortar, como en "Your Urge" y "Russian Literature", temas que destacan el enriquecimiento musical y la armonía vocal que ha aportado la producción de Gil Norton.

A nível compositivo, las canciones de Paul Smith cuenta con la maestría de quien se enorgullece de sus cicatrices porque ha logrado vivir para presumirlas. Temas como "Nosebleed" y "Sandblast And Set Free" apelan al dolor y a la fuerza interior necesaria para sobreponerse a los momentos en que el fondo parece estar mas cerca que la superficie.

Tal vez el único "pero" de esta producción sea la obsesión de Maxïmo Park por convertirse en la versión "reloaded`" de ellos mismos, necesidad que si bien deriva en un razonable balance entre temas incendiarios y momentos de sensibilidad profunda, también entrañan el riesgo de forzar algunos temas para cuadrar con el concepto musical del álbum.

Lo que queda claro es que con "Our Earthly Pleasures" la comparación con otras bandas queda fuera de lugar. El verdadero reto de Maxïmo Park es enfrentarse a quienes fueron en su disco anterior, evolucionar y madurar como banda.

¿Podrá su música superar la prueba del añejo? Solo el tiempo lo dirá.

Maxïmo Park
Our Earthly Pleasures
Warp 2007

¿Estás a favor de la Música?

2007-04-09T10:04:00.000-07:00

¿Estás a favor de la Música?

Por Pedro Escobar

Artículo publicado en el número 10 de la revista Indie-Rocks del mes de Marzo de 2007

En el universo del lugar común no hay nada como la etiqueta.
Catalogar, encasillar y clasificar propuestas músicales ha sido una de las preocupaciones de la industria discográfica.

Cada semana las grandes transnacionales lanzan al mercado bandas de adolescentes con provocadores peinados bajo la promesa de que ellos “ahora si” van a salvar al rock. Por desgracia, en muchos de los casos sus estrafalarios nombres no hacen mas que evidenciar la denominación de origen de su propuesta: el Marketing.

Tal vez el éxito de las etiquetas radique en una condición humana: Todos en algún momento de nuestra vida añoramos pertenecer a un grupo. Por esta razón nos enrolamos en tribus urbanas, como la de los Skatos, los Darketos, los Metaleros o los Hip-Hoperos para encontrar en la afinidad musical el punto de partida de una filosofía de vida.

Pero si bien los movimientos culturales generados a raíz de la música han aportado importantes obras artísticas y sociales, también hay que reconocer que en muchos de los casos pertenecer a un grupo implica profesar un arraigado esnobismo hacía todo lo que suene diferente.

Ante lo artificial de la industria y la descalificación de los radicales, el movimiento Independiente en México surge como una ruta alterna para quien busca escapar de las etiquetas y de las trilladas temáticas musicales.

Aunque a principios de los 90 el término Indie sustituyó al de "alternativo" para amontonar a bandas con sonidos sin denominación, no es hasta años recientes que el término pasó de ser la sección "cacha todo" en las tiendas de discos para convertirse en una filosofía de trabajo que agrupa a las bandas que hacen música con total libertad creativa.

Tal vez la verdadera importancia del movimiento Indie en nuestro país sea el devolvernos la virtud de la pluralidad. En un universo donde cohabitan propuestas tan dispares como las de Austin TV y Zoe, también hay lugar para el prometedor rock de Porter o Hummersqueal, el ritmo explosivo de Los Dynamite o el funk amable del Sr. Mandril.

Nunca antes un movimiento musical acortó tanto la distancia entre músico y escucha. Asistir a una tocada de Dapuntobeat o Los Músicos de José te dá la oportunidad de comprar el disco directamente de manos del artista. Pagar un cóver para ver a Cecy Leos o Les Tragiques te da la opción de acercarte y cruzar un par de palabras con los musicos que momentos antes te hicieron cantar y bailar.

Los tiempos que vivimos le vienen bien al movimiento Indie. Hoy como nunca la difusión en internet ha superado la jetatura de medios tradicionales como la Radio y la Televisión a la hora de definir lo que vale o no la pena. ¿A quién le importa la amañada opinión de un locutor cuando en My Space hay una interminable fuente de bandas esperando a que les des la oportunidad de ser escuchadas?

Y es que escuchar música Indie (al igual que enamorarse) entraña riesgos. Descubrir a una banda nueva es experiementar el amor a primera vista: no escojes a la mejor, ni esperas que alguien te diga "ésta es la buena para ti" o “ésta es la que te conviene”, simplemente sientes una fuerte conexión capáz de doblar tus prejuicios y hacerte decir: "¡De aqui soy!".

Tal vez sea cierto que no hay nada nuevo bajo el Sol y que las bandas jóvenes no hacen mas que reciclar viejas fórmulas ¿pero acaso no es la esencia del Rock And Roll su inagotable capacidad de rejuvenecer?

Es evidente que una rola tan jodidamente buena como "Dead" de Zoe no tiene nada que hacer ante cualquier track de Pink Floyd. Pero... ¿puedes vivir todos los días de tu vida escuchando el "Dark Side of The Moon"?

La música necesita de sangre nueva, de variantes contextuales y de nuevas formas de interpretación que nos sorprendan. Es por eso que bandas mexicanas como Kinky o Nortec son tan grandes en Europa y Estados Unidos.

En resúmen, si eres alguién que consume música todos los días y necesitas de una constante transfusión musical, la escena Indie Mexicana te ofrece una verdadera veta de posibilidades intravenosas.

¿Estás a favor o en contra de la música?

Porque si estás a favor, eso implica que eres capáz de dejar de lado tus prejuicios, romper etiquetas y aceptar a cualquier banda con calidad... ¡por Indie que ésta sea!

The Shins - Wincing The Night Away

2007-04-06T17:00:00.000-07:00

The Shins Wincing the Night Away Sub Pop 2007

Por Pedro Escobar

Reseña publicada en el número de Marzo-Abril de la Revista Chakota Mag

Hay verdades que solo pueden ser contadas con mentiras.

Después de que en Garden State Natalie Portman le pone los audífonos a Zach Braff con “New Slang” sonando y le dice: “Tienes que escuchar esta canción, te juro que te va a cambiar la vida”, no creo que la existencia de muchos haya cambiado radicalmente.

Con un mundo de expectativas generadas a raíz de la aparición de "New Slang" en la cinta de Braff, The Shins regresan este 2007 con un álbum de carácter introspectivo surgido después de varias noche de insomnio de James Mercer.

“Wincing the Night Away” aborda el tema de los sueños explorando su naturaleza y los sentimientos que estos producen. El álbum se compone de 11 tracks impregnados del sonido Indie característico de la banda, pero con una producción mucho mas trabajada y con una instrumentación melódica que en sus mejores momentos logra sintetizar un sonido similar al de Morrisey en tracks como “Sea Legs” y “Sailor Girl”.

El primer sencillo del álbum, “Phantom Limb”, retoma el sonido Folk y confirma la facilidad de Mercer para crear líneas corales efectivas. En ”Australia” demuestran que pueden llegar a ser una banda lúdica y hasta optimista. Mientras que en “Sleeping sessions” -tema con que abré el álbum- la naturaleza de los sueños se explora desde una base armónica brillantemente adornada por la dulzura de instrumentos como el “Vibráfono”.

“Wincing the Night way” denota un crecimiento en el sonido de The Shins, pero definitivamente no va a cambiar tu vida. Ya lo dijo Kandinski, “el medio es el mensaje”, y si el medio para venderte una canción es Natalie Portman, solo podemos añadir: “Miénteme mas, que me hace tu maldad... felíz.”

Sueños que se salvan de ser pesadillas

2007-04-06T16:47:00.000-07:00

Sueños que se salvan de ser pesadillas

Pedro Escobar Artículo Publicado en la Revista Círculo Mix Up del mes de Marzo de 2007

La música de The Shins parece tener la belleza terrenal de la mujer que omite el maquillaje: es atractiva, pero no letal. Para muchos críticos, esta carencia de seducción fatal es la que ha impedido dar el paso definitivo al mainstream a esta agrupación formada en 1997 en Albuquerque, Nuevo México, cuyo nombre significa “Las Espinillas”.

Al igual que los horrendos puntos negros que aparecen en el rostro y duelen endemoniadamente, las letras de James Mercer –el líder y cantante– exprimen la clase de sentimientos con los que todos lidiamos, pero preferimos mantener bajo la superficie.

Dentro de una escena en la que todos intentan destacar a base de maquillaje y producciones deslumbrantes, The Shins insiste en una propuesta folk de bases melódicas accesibles y temáticas de aceptación, miedo y sarcasmo compiladas en los álbumes Oh, Inverted World (2001), Chutes Too Narrow (2003) y el más reciente, Wincing the Night Away.

¿Cómo explicar entonces su transformación de introspectiva banda de medio perfil, a EL grupo a seguir de la escena indie? Digamos que hay encuentros que cambian la vida. Así de fortuito y así de simple.

En 2004, James Mercer conoció a Zach Braff (actor de la serie Scrubs) en el show de Jimmy Kinnell.

Después del éxito que tuvo la canción “New slang” (incluida en la cinta Garden State, del propio Braff), la atención del mundo se volcó hacía The Shins, acompañada de la duda de si se trataría del secreto mejor guardado del indie norteamericano o sólo de otro one hit wonder.
Hasta antes de la película, la banda había operado bajo la reglas del “hágalo usted mismo”, grabando y produciendo sus discos en el sótano de Mercer. Sin embargo, para su tercera placa, Wincing the Night Away, se nota un crecimiento tanto en recursos melódicos como en la producción, que esta vez corrió por cuenta de Joe Chiccarelli, quien también ha trabajado para Beck y U2.

¿Qué es lo que tenemos entonces? El propio Mercer lo resume muy bien: Un disco surgido de varias noches de insomnio, que recrea la naturaleza de los sueños dentro de una atmósfera de misterio y de situaciones mágicas que no están libres de sonidos escalofriantes.

Hay verdades que sólo pueden ser contadas con mentiras. Si hubiésemos sido tan ingenuos para creerle a la bellísima Natalie Portman, cuando en Garden State le pone los audífonos a Zach Braff para que escuche “New slang”, y le dice: “Tienes que escuchar esta canción… te juro que te va a cambiar la vida”, seguramente habríamos sufrido una gran desilusión.

Por fortuna, ahora sabemos que The Shins jamás intentaron cambiar nuestras vidas, sino demostrarnos que aún hay música bella con la que vale la pena seguir musicalizando nuestros días.

The Shins
Wincing the Night Away
Sub Pop
2007

Cuentos de grullas que tejen seda

2007-03-26T17:59:00.000-07:00

Artículo publicada en la revista Círculo Mix Up, Febrero de 2007

Todo aquel que durante su primer acercamiento a la literatura haya tenido un encontronazo con los inmensos bloques de texto que no dejan espacio para las ilustraciones, debería darle una oportunidad al deslumbrante trabajo de The Decemberists.

Y es que entregarse a la música de estos oriundos de Portland es como abrir un gran libro de ilustraciones en el que se ven inmiscuidos amantes suicidas, piratas sádicos y asesinos sanguinarios en aventuras épicas brillantemente narradas.

The Decemberists trazan paisajes en los que se balancean muy bien la riqueza temática y la fuerza musical. Los sucesos y aventuras que recuperan en cada canción evolucionan hasta convertirse en verdaderas suites con segundas y terceras partes.

A lo largo de seis años de carrera (y cuatro discos producidos), Colin Meloy, cantante, guitarrista y capitán de esta nave, ha creado un universo en el que las letras teatrales de distintos tiempos y latitudes se revisten con un pop-folk que en sus momentos de mayor complejidad navega por las turbulentas aguas del rock progresivo.

Al igual que la temática de sus canciones, el sonido de The Decemberists tiende a la bipolaridad, y aún cuando sus bases melódicas proyectan un picaresco optimismo, bajo la superficie hay líneas narrativas que suelen ser (cuando menos) melodramáticas y oscuras, para recordarnos que no todos los cuentos tienen un final feliz.

No es casual que una banda acostumbrada a contar historias épicas haya definido el concepto de su más reciente disco en los pasillos de una librería de Portland: The Crane Wife, el cuarto disco de la banda y primero con la gigante Capitol Records, retoma una antigua historia japonesa que Colin Meloy musicalizó en un elaborado paisaje sonoro de más de diez minutos de duración dividido en tres partes.

Los Decemberists han dado un salto a las grandes ligas, pero manteniéndose fieles a su sonido. La evolución creativa de la banda es evidente; han salido de su zona de confort para experimentar con ejecuciones musicales mucho más arriesgadas.

Una banda destinada a volar por encima del plano terrenal de la escena indie.

The Decemberists
The Crane Wife
Capitol 2006

El día que el Soul perdió a su profeta.

2007-03-26T17:48:00.000-07:00

Artículo publicado en la Revista Indie-Rocks! # 9
correspondiente al mes de Febrero de 2007

El pasado mes de Diciembre, el patriarca del Soul finalmente colgó los botines de ante azul y diamantina. Con su muerte, James Brown accedió a un status que le sienta bien a su condición de genio: el de Leyenda.

Por más de 40 años la figura emblemática del Funk y de buena parte de la cultura Afro Americana desairó las fórmulas de aplicación al Afore y retiro voluntaria al compás de: "¡I Feel Good! ". A diferencia de los músicos de su generación, James Brown jamás precisó ser añorado debido a que se mantuvo en activo hasta el fín de sus días.

"El Padrino del Soul" fue el prototipo del Showman: Carismático, explosivo y con una energía en constante ebullición capaz de poner a bailar a cualquier audiencia. La clase que desparramaba al moverse sobre el escenario le valió el apelativo de "Mr. Dynamite", un sobrenombre bastante acertado para un tipo que en sus buenos tiempos haría palidecer a cualquier contorsionista del Cirque du Soleil.

El creador de "Sex Machine" era ante todo una presencia incendiaria. No es casual que su primer gran éxito fuera un disco en vivo: "Live at the Apollo" (grabado en el Apollo Theater de Harlem en 1963) considerado por muchos como el mejor disco en vivo de todos los tiempos.

Sería difícil cuantificar el aporte de "El Padrino" como precursor de un éstilo musical debido a que él era su propio género. Su música (mezcla de gospel, instrumentación de metales y bases rítmicas Afroamericanas) involuntariamente colocó los cimientos de ritmos que años mas tarde conoceríamos como Soul, Funk , Hip Hop y Rythm & Blues. Sin su influencia sería difícil concebir a músicos de la talla de Stevie Wonder, Prince o Michael Jackson. Incluso en agrupaciones fundamentalmente blancas como Jamiroquai o The Brand New Heavies, la influencia de Brown persiste como un indeleble tinte marrón resistente a cualquier blanqueador.

En el Rock, bandas como The Red Hot Chilli Peppers construyeron sus primeros álbums a partir de su teoría rítmica de que no hace falta que todos los instrumentos toquen al mismo tiempo. En sus shows, Brown solía reservar un momento estelar para cada uno de los 15 músicos y coristas que integraban su banda.

Bajo los ardientes reflectores de la escena musical, el sudoroso rostro de James Brown jamás dejó de exaltar sus origenes: "Say It Loud, Im Black and I'm Proud". Orgulloso portavoz de la comunidad negra, Brown dedicó su vida a reivindicar el aporte de la cultura Afroamericana en la música occidental, pero no fue hasta 1986 con su inserción al Salón de la Fama del Rock and Roll que su música comenzó a revalorarse.

Como cualquier genio, Brown batalló toda su vida con sus demonios internos.
Siempre controversial, se vió inmiscuido en un catálogo de escándalos que alimentaron los tabloides; ya sea por huir alcoholizado de la policia, consumir drogas, portar armas de fuego o golpear a su esposa. Motivos no faltaron para que en más de una ocasión "El hombre mas trabajador de la industria del Espectáculo" se viera obligado a tomar "vacaciones" en alguna cárcel o centro de rehabilitación.

En la frivola industria músical que no conoce castigo peor que el olvido, Brown permaneció vigente gracias a su asombrosa capacidad de envejecer vigorosamente. La verdad sea dicha, "El Padrino" fue tan activo en el mundo de la música como en el del cine, sus inumerables apariciones en la pantalla grande asi lo documentan, entre ellas destaca el cortometraje de 2002 "Beat The Devil" de Tony Parker, en donde se relata una de las leyendas urbanas asociadas a la inagotable vitalidad del Patriarca Funky: su pacto con el Diablo.

En el cortometraje de 10 minutos, Brown renegocía un añejo contrato con el mismísimo Satanás. El pacto que le otorgaba fama y fortuna a cambio de su alma, termina resolviendose con una inusual carrera de autos.

No es casual sospechar que una vitalidad capáz de producir más de 119 sencillos y unos 50 discos de estudio tenga origenes malignos. Tampoco lo es el hecho de que temas como: "I got you (I feel good)", "Cold sweat:, "Get up (I feel like being a) sex machine", "Please, please, please" o "Try Me" formen parte de nuestras vidas gracias a sus narcóticos rítmos.

Con la determinación como principal valuarte, Brown logró superar una infancia miserable e inumerables momentos de devacle para construir una sólida carrera y un emporio comercial con emisoras de radio y su propia disquera. A su muerte, acaecida el pasado 25 de Diciembre a los 73 años de edad por complicaciónes respiratorias, James Brown no dejó mas opción a sus devotas huestes que la canonización en automático.

63 años después de su mítica noche en el Teatro Apollo de Harlem, el padrino del Soul comenzó su gira final emulando los milagros del Sid campeador, logró convocar a más de ocho mil fieles devotos en un funeral público en la Arena James Brown de su natal Augusta, Georgia.

El padrino ha dejado el plano terrenal para ocupar el lugar que le corresponde en el Partenón de los dioses del Rock and Roll. Su obra perdurará entre los hombres gracias a que en ella se magnífica el ritmo de la vida.

Podéis ir en paz, la función ha terminado.

El Principio del Placer

2007-03-26T16:01:00.000-07:00

Esta primera entrada parafrasea el título de un cuento del gran José Emilio Pacheco con el único afán de recuperar la idea principal de ese texto: Capturar en la memoria escrita la evolución en la vida de un personaje.

Y no es que mi vida cambie sustancialmente con la aparición de este espacio, solo me apetece recuperar en este receptáculo los textos que en los ultimos meses me han provocado grandes satisfacciones al aparecer publicados en diferentes medios escritos.

El título de este Blog, rinde homenaje a uno de mis libros favoritos: "La Noche navegable" del entrañable maestro Juan Villoro. Un hombre que me enseñó que leyendo letras ajenas puede despertarse el apetito por escribir los textos propios.

5,4,3,2...

al aire!