Wednesday, June 17, 2009,4:17 PM
N.A.S.A. "Un pequeño paso para el DJ. Un gran salto para el mestizaje musical"/
N.A.S.A.
"Un pequeño paso para el DJ.
Un gran salto para el mestizaje musical”.
Por: Pedro Escobar
Artículo publicado en el número de Mayo 2009
de la revista Círculo Mix Up
(Para Katia Kassabian y Ross.
Por leer este artículo, y hacer que valiera la pena escribirlo).
El hip hop se ha convertido en el fenómeno musical más grande de los últimos 30 años gracias a una sencilla fórmula: sacrificar la melodía en función de ritmos bailables y dar carácter protagonico a la palabra, elementos indispensablede de la fiesta.
a dupla integrada por el norteamericano Squeak E. Clean (Sam Spiegel) y el brasileño DJ Zegon (Zé Gonzales) dan forma al proyecto N.A.S.A. (acrónimo de North America - South America) Se trata de un combo electrónico de Hip Hop que por su calidad y número de artistas invitados podría describirse como una versión V.I.P. de Thievery Corporation.
La música de este dóo acude a las raíces del hip hop: bases rítmicas de breakbeat, sampleos multirítmicos y una multitud de vocalistas invitados abordando temáticas sexuales, filosofía de banqueta y duelos verbales íntimamente ligados al baile y a la celebración. A diferencia del rock, el hip hop no ha manoseado su esencia buscando una forzada reinvención con resultados inciertos, es por eso que ha resistido de mejor forma el paso de los años y se fusiona tan bien con una gran cantidad de ritmos que se incorporan según las reglas y medidas propias del género.
Aunque la formación de Dj Zegon y Squeak E. Clean se remite a estudios de grabación como productores de discos y campañas publicitarias (aprovechando las influencias del hermano de Squeak, el talentoso director de videos Spike Jonze) el dúo ha cosechado a lo largo de los años una buena cantidad de contactos y un poderoso poder de convencimiento para conjuntar en su disco debut a una impresionante lista de artistas invitados entre los que destacan Kanye West, Santogold, Karen O de los Yeah Yeah Yeahs, Sean Lennon, John Frusciante de Red Hot Chili Peppers, Ol’ Dirty Bastard, Nina Persson de The Cardigans, George Clinton, David Byrne, Cee-Lo de Gnarls Barkley, Seu Jorge, M.I.A., RZA, Method Man, Ghostface Killah, Spankrock y Tom Waits.
Con tal cantidad de talento en sus manos sería fácil pensar en resultados saturados y sobre explotados pero afortunadamente el disco demuestra tener forma y dirección. N.A.S.A. conduce a cada uno de sus invitados en un dinámico recorrido multirítmico que va del Reggae a la Samba y de ahí al Rock clásico sobre bases rítmicas Hip Hoperas que Zegon y Squeak conducen con maestría.
La genialidad de estos orquestradores rítmicos para otorgar un momento estelar a cada uno de las estrellas invitadas habla bien de su talento para amalgamar diferentes estilos dentro de un gran reventón electrónico que demuestra como la música y la danza pueden unir varios mundos dentro de una gran celebración universal. El veredicto final de la ópera prima de N.A.SA. podría definirse como: “Un pequeño paso para el DJ, un gran paso para el mestizaje musical”.
NA.S.A.
“The Spirit Of Apollo”
Anti Records
2009
Como si se tratara de una exclusiva fiesta hip hopera, en “The Spirit Of Apollo” los vocalistas invitados se turnan el microfono para cantar sobre los ritmos que conducen magistralmente Dj Zegon y Dj Squeak E. Clean. Logicamente, algunos de los invitados briilan mas que otros y en esta ocasión es David Byrne quien se convierte en el alma de la fiesta, dándole un toque delirante a temas bailables como “The People Tree” y la deliciosa y reflexiva “Money”, tema en el que comparte créditos con el legendario Chuck D.
Muy de cerca le siguen Karen O. de The Yeah Yeah Yeahs en la cadenciosa “Strange Enough” y M.I.A. (en dupla con Spankrock) en la divertida “Whatchadoing”, tema de corte lúdico y totalmente fiestero que contrasta con la arguadientosa voz de Tom Waits atacando las notas bajas en “Spacious Thoughts” y el funk de la vieja escuela del legendario George Clinton en “Theirs a party”. Al final, todas las celebridades invitadas se unen en “N.A.S.A. Anthem” tema con track oculto que garantiza un fabuloso “encore” de pronósticos reservados y que cierra lo que seguramente se convertirá en uno de los mejores discos del año.
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Monday, June 1, 2009,8:45 AM
Entrevista con Volován
La ropa sucia se lava en casa
"Entrevista con Volován”
Por: Pedro Escobar
Entrevista publicada en el número de Mayo 2009
de la revista Círculo Mix Up
“Hogar” es el título del nuevo disco de Volován, se trata de un ambicioso material en el que la madurez, el auto análisis y la evolución musical son evidentes. A propósito de este tema, Círculo Mix Up platicó con Chalo Galván, vocalista de este destacado grupo de rock pop regio.
Han pasado más de dos años desde su último disco ¿Qué novedades nos traen?
La mayor novedad es este disco, en el que hemos trabajado por casi dos años y que surgió de una manera muy diferente a los anteriores, por primera vez cada quien escribió sus canciones por separado y solo al final de ese proceso fue que nos reunimos para grabar, en el estudio de Robi Draco Rosa en Los Angeles y bajo la supervisión de nuestro productor Sebastian Krys.
También traemos novedades en cuanto a la forma en que se producirán los videos de este álbum. Tenemos pensado que el primero de ellos “Perdón” forme una trilogía con los otros dos sencillos que se desprenderán del disco, algo que hasta ahora, nadie ha hecho en México.
Llevan cerca de diez años de carrera, y eso se nota en la temática de sus canciones ¿se sienten un grupo más maduro?
Si, definitivamente. A lo largo de estos años nos han pasado muchas cosas, pero hemos aprendido de nuestros errores y eso se refleja en las letras. Por eso este disco se llama así, porque creemos que dentro de un hogar hay una gran cantidad de sensaciones y estados de ánimo que no necesariamente tienen que ver con el amor y la fiesta. Este disco habla de eso, del Hogar que hay en cada uno de nosotros.
¿Es un disco con sentimientos encontrados?
Si, en ese sentido este es un disco muy humano, hay una dualidad entre felicidad y añoranza, entre amor y odio. Por citar un ejemplo, hay canciones como “Perdón” que hablan de batallar con los demonios internos y estar nostálgico, pero también hay otras como “Anthrax” que hablan netamente del despecho y del rencor en forma absoluta.
Algunos consideran que Volován es un grupo fresa porque sus canciones encajan muy bien en la radio comercial ¿Se consideran un grupo pop?
Yo creo que somos una banda de rock pop mexicano, la base es esa porque venimos de la escena independiente, venimos de tocar en lugares pequeños y de grabar en un sello indie. Lo divertido es que no hemos cambiado, siempre hemos hecho este tipo de canciones que le llegan a cualquier persona. La verdad es que el asunto ni nos preocupa, al contrario, nos divierte el hecho de que Volován le guste a todo mundo.
A lo largo diez años de carrera han presenciado el auge y caida de una gran cantidad de géneros y tendencias en el rock nacional. Por citar un ejemplo, cantar en inglés ¿Qué opinan de la gran cantidad de grupos que cantan en este idioma alegando que tiene mejor métrica para las canciones?
Al paso de los años hemos trascendido al punk, al ska y ahora al emo con un estilo honesto y auténtico. Con respecto a lo del inglés debo decir que no me gusta, creo que en la música se vale de todo, pero a mi en lo personal no me late. Creo que si yo hablo español y soy mexicano esperaría que Volován fuera reconocido como un referente de la música que se hace aqui, no como un grupo mexicano que se parece a dos o tres grupos gringos, que son los que están de moda.
Siempre me ha intrigado saber esto: ¿Cómo surgió el nombre de Volován?
¡Surgió por casualidad! ibamos en el coche a entregar el demo con nuestras canciones a la disquera cuando nos dimos cuenta que no teníamos nombre. Estuvimos un largo rato discutiendo muchísimos nombres, -algunos muy malos por cierto- hasta que alguien dijo: “se me antoja una crepa”. mi hermano Gerardo preguntó ¿qué es eso? y yo respondí “es como un pan, un Volován” entonces todos coincidimos en que esa palabra sonaba bien y decidimos ponerle así al demo. Después nos dimos cuenta que la palabra realmente tenía un significado especial para nosotros. Resulta que el panecito se llama así porque la pasta de hojaldre con la que está hecho se la lleva el viento. De hecho, el nombre viene de la palabra francesa “Vol-Au Vent” que significa vuelo al viento, algo similar a la carrera que en aquellos tiempos iniciamos.
Volován
“Hogar”
Universal,
2009
Volován parece haber aplicado la consigna de que “la ropa sucia se lava en casa” a la hora de concebir su nuevo disco. Nostalgía, amor, odio y días soleados son las temáticas que se ventilan en un disco con sentimientos encontrados y en el que lo mismo hay temas para cantar al oido (“Perdón”, “No te vayas de mi”) que tormentos existenciales (“Nunca”, “Morir por ti”) y canciones animadas que es preciso escuchar a todo volúmen (“Verano Sol”, “Anthrax”).
El alivianado estilo que patentó Volován en temas como “Ella es azul” sirve en este disco como el contrapeso ideal para digerir un álbum ciertamente introspectivo, pero que se mueve entre el pop y el rock de una manera elegante y natural. He aqui un grupo que ha evolucionado, pero sin renunciar a la magia que nos cautivó en un principio.
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Monday, May 18, 2009,8:37 AM
The Decemberists, En la corte de la Reina del Bosque
The Decemberists"En la corte de la Reina del Bosque”
Por: Pedro EscobarArtículo publicado en el número de Abril 2009de la revista Círculo Mix Up Al igual que ocurre con los libros, hay discos que eligen a sus escuchas. “The Hazards of Love” es uno de esos discos diferentes que solo se entienden al escucharse de forma lineal pues se disfrutan en función del tiempo y disposición que se invierta para absorber su contenido.
Cuenta la historia que una tarde, mientras el maestro Jorge Luis Borges paseaba por la calle un joven se acercó a saludarlo. Después de unos momentos el muchacho se atrevió a comentar: “Maestro, lo admiro mucho pero debo confesarle que no entendí una palabra de su más reciente libro”. El autor de “El Aleph”, lo miró de reojo y sin inmutarse le respondió: “No es culpa suya, es solo que el libro no lo escribí para usted”.
La anécdota viene a cuento porque algo similar pasa con la música de The Decemberists, sus canciones llenas de referencias literarias distan mucho de ser temas accesibles para un público masivo. Desde sus inicios, el estilo de este conjunto se ha caracterizado por crear obras épicas desarrolladas en escenarios atípicos, como la guerra civil estadounidense en “Picaresque”(2005) o el folklore japonés en “The Crane Wife” (2006).
No es casual el carácter narrativo en las canciones de Colin Meloy, líder y compositor de la banda, pues el hombre posee un título en escritura creativa por la Universidad de Montana que le ha servido para crear discos perfectamente estructurados en preludios, arcos dramáticos y desenlaces contundentes. En su más reciente entrega, “The Hazards of Love” este proceso ha sido perfeccionado hasta alcanzar la categoría de ópera rock, se trata de una obra que abandona la elegancia del folk rock a la que nos tenían acostumbrados en función de un rock progresivo más versátil y capaz de ilustrar conceptos como el amor, los celos, el terror e incluso el infanticidio, todos ellos temas recurrentes en una obra conceptual dividida en 17 canciones ligadas y escenificadas en 4 actos titulados “The Hazards of Love”.
La trama cuenta el romance lleno de obstáculos de Margaret y William, un extraño habitante del bosque que es capaz de cambiar de forma y cuya madre, la reina del bosque se opone a su relación. El drama se complica cuando aparece un extraño personaje llamado The Rake, que en complicidad con la reina, secuestra a Margaret y la desposa engendrando tres hijos a los que después asesina sin miramientos. Mientras, William permanece encarcelado por su madre hasta que después de múltiples dificultades, logra negociar su liberación por una noche con la condición de regresar antes del amanecer bajo pena de muerte. Nuestro héroe corre al rescate de su amada, pero ya es demásiado tarde, pues Margaret yace moribunda en un bote que navega rumbo al exilio hundiéndose lentamente y en el que ambos terminan ahogandose para perpetuar su amor.
Aunque la trágica muerte de Margaret le da sentido al nombre del disco, el desenlace le brinda un leve consuelo, pues antes de expirar se reencuentra con William, al tiempo que los fantasmas de los niños muertos regresan para vengarse del nefasto The Rake para poner punto final a una historia sin final feliz.
El genio narrativo de Meloy se ve enriquecido en esta entrega con una gran cantidad de artistas invitados entre los que destacan Shara Worden de My Brightest Diamond, (interpretando a la reina) Becky Stark de Lavender Diamond, (prestando su voz a Margaret) además del genial Jim James de My Morning Jacke y Rebecca Gates de The Spinanes.
Es oportuno decir que “The Hazards of Love” requiere de tiempo y atención para ser asimilado, pero bien vale la pena el esfuerzo, pues la calidad musical y narrativa de esta placa no tiene desperdicio.
The Decemberists
“The Hazards of Love"
Capitol 2009
La historia del disco surgió a raíz de la fascinación de Colin Meloy por un oscuro EP de folk británico editado por Ann Briggs en 1966. Con ese precedente, resulta lógica la influencia setentera que aflora de este disco y que recuerda a King Crimson o al Genesis post Peter Gabriel. Basta escuchar temas como “The Queen’s rebuke” para distinguir sintetizadores análogos, metales y clavicordios propios del rock progresivo que van subiendo de tono hasta alcanzar las notas conducidas por la impecable voz de Shara Worden, quien también muestra su potencial en la enérgica “The wanting comes in waves / repaid”.
“The Rake’s Song” -corte promocional del disco- es lo más parecido a un sencillo que puede encontrarse en una entrega que demanda ser escuchada de forma lineal, pues los escabrosos temas que hablan de muerte e infanticidio quedan fuera de contexto al escucharse por separado. Por fortuna también hay temas alegres como “Isn’t a lovely night” en los que la dulce voz de Becky Stark brilla cantando a dueto con Colin Meloy sobre una melodía conducida por las notas del acordeón y el banjo.
“The Hazards of Love” representa el paso más arriesgado de una banda decidida a salir de su zona de confort en cada disco y a mantenerse alejada del lugar común del éxito efímero. He aquí una obra atemporal que se mantendrá en el gusto del público por 9
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Tuesday, February 17, 2009,4:03 PM
Devotchka: Gitanos Punk
Devotchka"Gitanos Punk”
Por: Pedro EscobarReseña publicado en el número 19 (Febrero- Abril) 2009de la revista Replicante DeVotchka es una banda vanguardista que se mueve con soltura a través de varios géneros sin llegar a perderse. Su música -etiquetada como “Gypsy Punk”- suena a un tango revolucionado por violines balcánicos, a una polka rusa conducida por un acordeón gitano, a un son de mariachi conducido por tubas y cantado en inglés.
A pesar de lo ecléctico de su propuesta, sus canciones distan mucho de ser arrebatos sonoros gracias a la elegante conducción rítmica del violin, el piano o el acordeón.
La banda formada en Denver en 1991 está integrada por 4 músicos multi-instrumentistas lidereados por el vocalista y compositor Nick Urata, quien decidió tomar la palabra rusa Devotchka (chica joven) para denominar a un proyecto inicialmente concebido para musicalizar shows de burlesque. Aunque cuentan ya con 6 discos de estudio, fue hasta 2006 que saltaron a la fama tras musicalizar parte del soundtrack de la cinta “Little Miss Sunshine”.
“A mad & faithfull telling”, su más reciente producción, fue lanzada en 2008. En ella destacan canciones con temáticas que giran alrededor de analogías amorosas, (“Blesing in disguise”, “Transliterator”) y épicas de carácter político (“Basso profundo”, “Comrade Z”) en los que sobresalen los finos acompañamientos de cuerdas que contrastan con la enérgica voz vibrato de Urata.
La música de Devotchka es una clara muestra de que más allá del supuesto agotamiento musical que muchos pregonan, aún existen territorios musicales sin explorar desde los que es posible releer la música a través de una perspectiva intercultural.
DeVotchka
“A mad & faithfull telling”
Anti-Records
2008
Labels: reseñas
Wednesday, February 11, 2009,9:14 AM
10 grupos que NO deberían regresar
10 grupos que NO deberían regresar
Por Pedro Escobar
Artículo publicado en el número de Febrero 2009de la revista Círculo Mix Up
Las giras del reeecuentro son una moda que han aprovechado muchos artistas venidos a menos que se resisten a poner un punto final en sus agónicas carreras.
Aunque los implicados argumentan que su retorno se debe a que “el público se los pide desde hace tiempo” o a que “tienen una deuda pendiente con sus fans” la verdad es que muchos de ellos no tienen el menor interés por ofrecer algo nuevo a sus seguidores y solo regresan por el dinero y la posibilidad de acceder a una última dosis de esa droga dura llamada fama.
Aqui te presentamos 10 grupos que por salud mental o verguenza profesional no deberían reunirse nunca... ¡jamás!
1) Limp Bizkit
1999 fue un año caótico en el que todos nos dejamos llevar por idolos de apariencia extraña. como Marylin Manson, Ramstein y Korn. En un tiempo dominado por “freaks’ una agrupación especializada en llevar al extremo el mal gusto obtuvo un sonado éxito, que visto a la distancia, nos hace darnos cuenta lo mal que andabamos.
Limp Bizkit nos demostró que encajando mas de veinte groserías por minuto en una canción y tener a un fanfarrón de la calaña de Fred Durst al frente se podía tener el rechazo tanto de metaleros como de hip hoperos. Aún no logramos sacar de nuestro cerebro la voz chillona de este blanco con ínfulas de gangster negro y por eso su regreso, anunciado en el myspace del grupo a finales del año pasado nos hace cuestionarnos: ¿De verdad nos merecemos esto?
2) Creed
Una muestra de que los gringos también pueden echar a perder una buena idea es Creed, la versión “enchulada” y caramelizada de Pearl Jam. Sus insulsas letras, su pose de fresitas con actitud rockera y el “eye candy” de Scott Stapp provocó la ira de millones de seguidores del grunge, pues no conforme con robarse el estilo lírico de Eddie Vedder, el musculoso cantante provocó sueños húmedos a sus novias con baladitas como “Arms wide open”.
En 2004, Creed decidió alejarse de los escenarios para disfrutar de la fortuna generada a raíz de las millonarias ventas de su álbum “Human Clay”, uno de los mayores éxitos comerciales de los noventas, que pese a todo, no aseguró el retiro permanente de estos imitadores, puesto que ya comienzan a correr versiones de una posible reunión de Creed durante este mismo año. ¿Será que tenían invertidos sus millones en Lehman Brothers?
3) Poison
Cuando el Heavy Metal de finales de los ochenta era criticado por su falta de seriedad y la excesiva parafernalia de grupos como Bon Jovi, Motley Crue y Def Leppard, Poison irrumpió en la escena para demostrarles a todos estos principiantes lo que era de verdad el mal gusto.
Fórmulas gastadas y power ballads pre-fabricadas fueron la constante en la música de una banda diseñada para funcionar en la radio y cuyas máximas virtudes fueron abrir nuevas técnicas en el uso de fijador de pelo, los pantalones afeminados y un alarmante abuso del rimel que seguramente sentó prescendete para los jovenes emos de hoy en día.
La reciente fama de su vocalista Bret Michaels como conductor del canal de música VH1 ha ocasionado que los miembros originales de Poison se reunan para planear lo que podría ser una gira de pronóstico reservado.
4) Blur
Damon Albarn y Graham Coxon formaron una de las mancuernas creativas más exitosas en la historia del rock británico. Juntos construyeron discos de época como “Parklife” y "The great escape” que batieron records de ventas en inglaterra.
Desgraciadamente la rivalidad creativa y el choque de egos fue minando la relación hasta terminar con la disolución del grupo, basta remitirse a sus dos últimos discos para darse cuenta lo mal que pueden sonar Coxon y Albarn enfrentados. Al parecer solo el dinero pudo reconciliar a estos dos genios creativos para juntarse y grabar un disco que ni remotamente aspira a conseguir las glorias de sus primeras producciones, pero eso si, garantiza una gira mundial que tampoco está excenta de que a media reunión cualquiera de los dos decida abandonar la nave una vez más.
5) Jackson 5
Mucho se ha hablado de una posible reunión de los hermanos Jackson en la que no necesariamente podrían figurar los dos miembros más exitosas de esta dinastía. Por más que hayan sido una de las agrupaciones más exitosas en la historia de la música afroamericana, ver reunidos a los Jakson 5 sin Michael tendría el mismo chiste que ver a un tigre de Bengala chimuelo.
6) Rage Against The Machine
En los noventa RATM fueron un grupo que abanderó muchas causas sociales gracias a sus letras llenas críticas contra el gobierno norteamericano y a un sonido transgresor que incorporó las guitarras distorsionadas a recursos líricos propios del hip-hop.
Por desgracia, tras su disolución en 1998, su comportamiento se alejó mucho de las posturas que los hicieron famosos: Zach de La Rocha intentó montarse al hype provocado por la irrupción de Dj Shadow, mientras que Tom Morello y compañía buscaron un sustituto light para De La Rocha reclutando al veteranazo Chris Cornell.
Tras la disolución de Audioslave y el semi retiro de Zach, RATM se reunió en el festival de Coachella en 2007 para llamar la atención con un discurso incendiario en el que condenó a George W. Bush calificandolo de “criminal de guerra”. Aunque su regreso para este 2009 es latente, la credibilidad del grupo quedó por los suelos al ser captados, un día después de su anrquico show, abordando una pomposa limousine estacionada a las afueras del lujoso hotel Hilton de Los Angeles, California.
7) Blink 182
A finales del año pasado, el baterista Travis Barker se vió involucrado en un fuerte accidente que casi le cuesta la vida, y que seguramente le dejó muchas cuentas médicas que liquidar.
No es un secreto que desde hace años los Blink coquetean con la idea de un revival que los ponga nuevamente en los primeros planos de la escena musical. Aunque sus letras llenas de ironía y humor facilón funcionaron bastante en los noventas, estos son otros tiempos y en medio de la crisis mundial y los tiempos de incertidumbre que hoy se vive, las canciones vulgares de Blink 182 parecen estar fuera de lugar. La broma del happy Punk dejó de ser chistosa desde hace mucho tiempo.
8) Garibaldi
El año que entra el país entero se volcará a un nacionalismo sin precedentes al cumplirse el bicentenario de la independencia de México. Como siempre pasa en estos casos, los oportunistas ya comienzan a relamirse los bigotes, entre ellos el engendro coreográfico vocal llamado Garibaldi: una especie de Village People, solo que peor y en versión Mariachi.
Eso hasta que la broma llegó muy lejos y que 1996, dejando a sus integrantesregados por los rincones de Televisa como conductores de programas para señoras, cantantes de feria de pueblo o como artistas de telenovelas en papelillos secundarios. Aunque su regreso sería un descarado acto de oportunismo, este grupo de cuarentones aún tiene el cinismo de declarar que planean reunión pues: “sería un buen momento inmejorable para retomar el concepto del grupo”.
Sí, cómo no.
9) Magneto
A principio de los noventa, Alan, Charlie, Mauri, Alex y Elías fueron concebidos por su representante Toño Berumén como la copia mexicana de los New Kids On The Block.
Su éxito, basado en covers norteamericanos de medio pelo dió origen a una larga carrera que los llevó a triunfar en México y sudámerica, grabar su propia película “Cambiando el destino” y darnos una razón más para avengorzarnos de la música pop hecha en México.
Aunque en 2001 hicieron el oso tratando de regresar bajo el nombre de Xmagneto tras su pleito con Tony, hoy que los New Kids están de vuelta, los ojitos de estos señores luce un raro fulgor: la ilusión de regresar. Brincos dieran.
10) Mecano
El trio se ha reunido tantas veces que ya no se sabe si estan retirados o están de vacaciones. En repetidas ocasiones Nacho Cano, el hombre que mueve los hilos del grupo ha demostrado que el concepto de Mecano es más rentable como franquicia que como una verdadera propuesta musical.
Labels: top ten
,8:53 AM
Abanderados de la generación berrinchuda
Glasvegas"Glasvegas"
Por: Pedro EscobarReseña publicado en el número de Febrero 2009de la revista Círculo Mix Up A menudo, el entorno en el que se crean las canciones suele influir en la temática de las mismas. Glasgow, por ejemplo, padece un deprimente clima nublado con nueve meses de lluvia al año, que justifica porque el hartazgo, la frustración y los excesos –atmósferas excelentemente descritas en las novelas del escritor escocés Irvine Welsh- afloren en cada una de las canciones de Glasvegas.
Temas que giran alrededor de la desaparición de un padre (“Daddy’s gone”) los excesos del fanatismo futbolero (“Flowers and Football Tops”, “Go square go”) y los tormentos sentimentales (“Geraldine”, It’s My Own Cheating Heart That Makes Me Cry”) son la constante en su disco debut, grabado y producido en la unión americana por los experimentados James Allan y Rich Cotley (Franz Ferdinand, Muse, Interpol).Aunque sus letras no temen reflejar la sórdida realidad y la indolencia que caracteriza a los jovenes de la clase trabajadora, su sonido no pasa de ser una versión light del shoegaze de The Jesus And Mary Chain mezclado con recurrentes estribillos que tratan de imitar –ingenuamente- las vocalizaciones de Joey Ramone.
El nombre de Glasvegas surgió al unificar el nombre de su ciudad natal de corte obrero- industrial con el de la ciudad de La Vegas, tan acostumbrada a la fiesta y el derroche. Nada más acertado para ilustrar las ambiciones de una generación acostumbrada a quejarse amargamente, pero que no renuncia a su derecho a reclamar sus diez minutos de fama sin proponer mucho a cambio. ¿Será que nos estamos acostumbrando a escuchar a los que gritan, sin prestar atención a los que de verdad tienen algo que decir?
Glasvegas
"Glasvegas"
Sony 2008
Labels: reseñas
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Tuesday, January 13, 2009,9:29 AM
El Guincho: Alegranza en tiempos de Crisis
El Guincho
"Alegranza musical para tiempos de crisis”
Por Pedro Escobar
Artículo publicado en el número de Diciembre 2008 de la revista Círculo Mix UpEn esta época de crisis mundial, ni siquiera la música se salva de las mezquinas leyes de la oferta y la demanda que rigen nuestras vidas.
La sobreoferta musical generada por la auto impuesta etiqueta Indie ha generado un enorme pajar alimentado con los miles de discos que surgen a diario de las habitaciones de adolescentes adictos a Myspace.
Sin el filtro de calidad que en otra época operaban arbitrariamente las grandes disqueras, la música se ha visto inundada por una infinidad de músicos con carreras tan fugaces como las de los sellos discográficos que los editan. Por fortuna, aún existen un puñado de sellos independientes con la credibilidad suficiente para difundir artistas que de otra forma, permanecerían en el anonimato Indie. Tal es el caso de El Guincho, la flamante adquisición del prestigiado sello independiente XL, operadores del éxito de M.I.A., Diplo y The White Stripes entre otros.Pablo Díaz-Reixa, mejor conocido como El Guincho es un músico español de 24 años que parecía destinado a editar sus discos de manera artesanal a través de su sello Discoteca Océano. Eso antes de que “Alegranza” fuera alabado por pitchforkmedia, reseñado por el Washington Post y seguido con atención por la gente de XL.
No es casual que El Guincho haya despertado tanto interés en los medios. La música de este músico radicado en Barcelona esta compuesta por composiciones festivas, construidas a partir de diversos ritmos bailables hilvanados mediante la conducción de samplers altamente efectivos. En su música, Díaz sintetiza brillantemente las emociones que afloran en una ciudad como Barcelona, en donde la mezcla étnica y los matices culturales generan una atmósfera en donde los sonidos familiares rivalizan con el descubrimiento de nuevos territorios. Antes de adquirir la personificación de El Guincho, Pablo Díaz-Reixa destacaba como baterista, voz y compositor del grupo Coconut, tal vez por eso, en su música predominan las percusiones latinas y las vocalizaciones africanas utilizadas meramente como acentos rítmicos. Lejos de aceptarse como: “La mayor revolución en el world music desde Manu Chao”, como afirma el diario español El País, El Guincho se limita a señalar que más allá del supuesto agotamiento melódico que todo mundo pregona, aún existen territorios inexplorados en donde releer la música desde una perspectiva personal y acorde al mestizaje cultural que prolifera en el planeta. 
La principal virtud de El Guincho es la originalidad. No es casual que el instinto musical de Díaz haya hecho de “Alegranza” un disco multirítmico que, según la interpretación personal, puede ubicarse en los géneros del pop, el calipso, el afro beat y hasta la world music. Si las reglas económicas indican que lo que da valor a un producto es la cantidad de éste que haya en circulación, entonces el valor de la música de El Guincho muy pronto irá a la alza ya que prácticamente no existen en el mercado artistas que rivalicen con la originalidad musical de este joven músico español.“Alegranza”
El Guincho
youg turks/ XL
2008
La alegría y la vitalidad son los motores que mueven la maquinaria de “Alegranza” a lo largo de 12 tracks plagados de samplers bien colocados y percusiones que invitan a la fiesta. “Palmitos Park”, track que inaugura el álbum, es una joyita que pone de manifiesto el potencial de El Guincho para hacer mover los pies de cualquer audiencia. Una explosión de ritmos bailables, coros contagiosos y un metódico uso de samplers y cajas de ritmos abren el disco de manera magistral.La versatilidad y la amplitud de recursos queda de manifiesto en “Cuando maravilla fui” tema en donde las lineas corales funcionan como acentos rítmicos que ayudan a sostener la estructura melódica de las canciones. En “Antillas”, “Prez Lagarto” y particularmente en “Kalise” este recurso es particularmente notable. Aunque originalmente “Alegranza” apareció de manera independiente a principios de año, la re-edición que el sello XL ha hecho de la ópera prima de El Guincho permite apreciar en su versión integra y con todos sus dientes una producción que pone de manifiesto que aún es posible encontrar territorios musicales poco explorados. La cosa es buscarle, como dicen por ahí. Labels: Artículos
